Luca ~ Streaming and Pajamas

.: TRAMA :.
Ambientato in una località costiera della riviera italiana, Luca, di Disney e Pixar, è la storia di formazione di un ragazzino che vive un’estate indimenticabile tra gelati, pasta e lunghissimi giri in Vespa. Luca condivide le sue avventure col suo nuovo amico Alberto, ma il divertimento è minacciato da un segreto ben custodito: i due sono due mostri marini provenienti da un mondo sottomarino.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Quando si sente parlare di produzioni americane ambientate in Italia, il rischio di trovarsi davanti all’ennesima carrellata di stereotipi è alto (nessuno ha ancora perdonato la Disney per il piatto di spaghetti con le polpette come piatto tipico della nostra tradizione culinaria), grazie al cielo ciò non succede e il risultato è una cartolina italiana che emoziona e commuove per le sfumature che riesce ad intrappolare in questa favola estiva al sapore di mare e di pesto alla genovese (lodevole che, per una volta, l’Italia non venga ritratta unicamente come il paese del calcio, ma si presentino sport altrettanto importanti come il ciclismo e il nuoto). Rispetto a Soul (2020), Luca sembra fare qualche passo indietro e rientrare in quella che si può considerare la comfort zone dei film Disney Pixar, ma bastano pochi minuti per ricredersi.

Luca centra il cuore dell’Italia stessa: di un paese legato a doppio filo con i tre mari che lo abbracciano e che, da questo mare, si lascia ispirare plasmando il carattere di un popolo che sa essere mite e burrascoso, agitato o calmo, accogliente ma anche, purtroppo, a volte ostile.
Dal Golfo di Trieste allo stretto di Messina, dalle meravigliose Cinque Terre alla Riviera Romagnola, il folklore italiano è costellato di storie e leggende legate al mare e alle sue creature: di cui Cola Pesce (figura mitologica dell’immaginario collettivo meridionale) e gli “epici” Scilla e Cariddi sono solo gli esempi più celebri. Questo è il contesto culturale da cui Luca attinge e il risultato è una storia che procede a gonfie vele senza dover ricorrere a pretesti per mandare avanti la narrazione.
La trama è un carosello di istantanee che trasudano verismo, poesia e fantasia: le avventure in riva al mare, la vita movimentata e allo stesso tempo sempre uguale di un piccolo borgo, i giochi, le gare e le piccole grandi conquiste che caratterizzano il periodo delle vacanze estive.
L’utilizzo del colore, un autentico “attore non protagonista”, riesce a dare spessore tanto al mondo della superficie (caratterizzato soprattutto da colori caldi) quanto a quello marino (dove, ovviamente, prevalgono le sfumature del blu e del verde): su questo palcoscenico si muovono personaggi che, nella loro semplicità, commuovono e stupiscono per la loro caratterizzazione essenziale, ma non per questo scarna.
Ciò che davvero conquista di Luca (il protagonista) e dei suoi compagni di avventura è la loro autenticità: ispirati dai compagni d’infanzia del regista, Enrico Casarosa, i personaggi riescono abilmente a scansare lo stereotipo e, grazie ad un umorismo genuino, non scadono mai nel macchiettisco.

Tra richiami cromatici (in più di una sequenza si può notare il tricolore italiano ricomposto con oggetti diversi) ed elementi scenografici, il film presenta diverse citazioni a capolavori del cinema: le prime sequenze, in cui Luca “scopre” il mondo degli umani e riceve dai genitori il divieto categorico di entare in contatto con loro, ricordano in parte La Sirenetta in parte Alla ricerca di Nemo, per non parlare dell’autocitazione fatta dal regista che dà al personaggio di Massimo Marcovaldo fattezze simili a quelle di uno dei protagonisti del corto La Luna (2011); mentre in altre scene si vedono le locandine dei film Vacanze Romane e La strada. La colonna sonora si avvale di composizioni originali e brani cult della tradizione musicale italiana: Il gatto e la volpe di Bennato, Un bacio a mezzanotte del Quartetto Cetra, Fatti mandare dalla mamma a prendere il latte di Morandi sono solo alcune delle celebri canzoni che si possono ascoltare; mentre la colonna sonora originale crea un accompagnamento suggestivo ma non memorabile che, tuttavia, ben si sposa con la sceneggiatura riempiendo i vuoti di dialogo con accordi delicati come una brezza di mare.
Non mancano, da ultime ma non meno importanti, i riferimenti (più o meno voluti) alla letteratura: le atmosfere ricordano il romanzo di Astrid Lindgren Vacanze all’isola dei gabbiani, mentre il rapporto tra i tre protagonisti, Luca, Alberto e Giulia, ricorda vagamente quello tra Pinocchio, Lucignolo e un mix tra la Fata Turchina e il Grillo Parlante.

Come confermato dal regista il film ha diversi livelli di lettura e si presta a più di un’interpretazione. Tema centrale è la diversità che, in un lungometraggio di appena un’ora e quaranta, riesce ad essere declinata in sfumature diverse e tutte molto convincenti.
I “mostri marini” che vengono dal mare possono essere intesi come gli stranieri o gli immigrati che, ad alcuni, fanno “molto disgusto e orrore” come dice uno dei personaggi riferendosi ai mostri marini. Ciò che davvero dà forza a questo film è la capacità di parlare ad ognuno in maniera differente permettendo allo spettatore di proiettare la propria “diversità” sui protagonisti per esorcizzarla con loro vincendo la paura di non essere accettati. C’è anche chi ha visto, nella necessità dei due protagonisti di nascondere la loro vera natura, un richiamo alle tematiche LGBTQ+ ma, personalmente, questa interpretazione mi sembra molto forzata: Luca racconta storie di amicizia, lealtà, coraggio e riscatto; descrive, con delicatezza, la capacità dei bambini di creare legami profondi con chi, fino a pochi minuti prima, era uno sconosciuto e di riuscire, con queste nuove amicizie, ad inseguire i propri sogni.
Fanalino di coda di una produzione cinematografica concepita in tempo di pandemia, Luca sembra gettare un ponte verso il domani e riporta al centro quei valori che, per colpa delle restrizioni anti-covid, sono stati messi da parte in questi mesi.
L’amicizia: unica vera arma contro l’isolamento a cui i lockdown ci avevano condannati è il valore cardine di tutta la vicenda e non si traduce solo in un classico “volersi bene a prescindere da ogni cosa”, ma principalmente in un venirsi incontro strappandosi vicendevolmente dalla condizione di solitudine in cui si rischia di cadere quando ogni altra certezza vacilla. Luca, prima di conoscere Alberto e Giulia, è “ostaggio” della sua timidezza; Alberto, prima di incontrare Luca e Giulia, vive da solo su un’isola abbandonato dal padre; infine Giulia che, facendo amicizia con Luca e Alberto, trova due amici e si libera dalla sensazione di essere una straniera nella sua stessa città.
L’istruzione: Luca e Giulia sono due bambini curiosi e amanti dei libri e, cosa insolita per un film estivo, Luca sente crescere il desiderio di allargare i propri orizzonti e di andare a scuola; inizialmente questo cambio di programma non viene preso bene da Alberto, il “Lucignolo” della situazione, ma anche lui finisce per apprezzare la curiosità dell’amico e a comprendere il motivo per cui vuole studiare. L’abbandono scolastico, durante i mesi di pandemia, ha, purtroppo, registrato record negativi causando un’emergenza educativa. Luca cerca di sensibilizzare sull’importanza dell’istruzione presentando due personaggi in antitesi tra di loro: Giulia conosce il mondo e i suoi pericoli grazie ai libri e alla scuola, Alberto, al contrario, si crede un uomo di mondo ma, in realtà, non sa un gran che e finisce spesso vittima della sua ignoranza salvo poi “imparare la lezione” e capire l’importanza dell’istruzione,

Il film, a mio giudizio, merita un 10+/10.
A differenza di altri film per cui “una volta basta e avanza”, Luca è un film che si rivede molto volentieri e di cui è bello osservare le diverse sfumature proprio come si farebbe da un belvedere affacciato sul mare. Nonostante sia dichiaratamente ambientato in Liguria, per il doppiaggio non sono stati scelti attori con un accento particolare il che, se da una parte può sembrare una mancanza di attenzione alla varietà linguistica e dialettale del nostro paese, dall’altra riesce a dare “universalità” alla storia che, scevra dei riferimenti geografici sopracitati, potrebbe essere ugualmente ambientata in Campania, Abruzzo o Friuli Venezia Giulia senza perdere di credibilità.

*Jo


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Io sono la strega

IO SONO LA STREGA

Autore: Marina Marazza
Casa editrice: Solferino
Anno: 2020

.: SINOSSI :.

Caterina da Broni, governante, prostituta, avventuriera e strega. Caterina è una bambina strana per il suo tempo, sa addirittura leggere grazie al padre maestro. Rimasta incinta a tredici anni in seguito a una violenza, va in sposa a un uomo che non è chi dice di essere. Ma invece di rassegnarsi a un destino di schiavitù, sceglie di fuggire.
La sua intera vita diventa così una picaresca ricerca del proprio posto nel mondo, attraverso un territorio lombardo intriso di acque e brume, dove la vita è scandita dallo scorrere del Po. La sua strada la porta da una locanda assai equivoca a una raffinata bottega di tipografi e poi alla «corte» di un capitano di ventura, fino ad arrivare a Milano, la grande città dominata dagli spagnoli, teatro di intrighi e lotte per il potere.
Qui, l’accusa di aver «affatturato» l’anziano gentiluomo da cui è a servizio la conduce in prigione. La pena è il rogo: così muore una strega e Caterina è convinta di esserlo, di aver venduto l’anima al diavolo per poter sopravvivere. A eseguire la sentenza è chiamato Salem, celebre boia, un uomo bellissimo e tormentato: su quella pira lui rischia di perdere qualcosa di molto importante, che non sapeva di possedere.
Sensuale, inquieta, spietata, tenera e decisa, Caterina da Broni è la protagonista autentica di uno dei più famosi processi alle streghe che la storia abbia tramandato. In questo romanzo prende vita come eroina modernissima, in una narrazione scintillante di ricerca storica, ricostruzione d’epoca, racconto di eventi che si susseguono con ritmo incalzante. Mentre attraversa, ribelle, il suo tempo, sul suo cammino aleggia una domanda: qual è il confine tra giustizia e delitto?

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

“Sono sicura lo amerai”, mi ha detto la libraia prima di mettermi in mano una copia di questo romanzo. Io, scettica, l’ho sfogliato e poi ho deciso di dargli una possibilità, anche perché raramente la mia libraia si sbaglia.

Il romanzo della Marazza è una storia vera, ma inventata. Il suo pregio più grande, secondo me, è l’essere realistico sotto ogni punto di vista pur restando un racconto di fantasia: è evidente che l’autrice conosca molto bene il periodo storico analizzato, perché serve al lettore dettagli intriganti ed accurati che danno spessore al testo.
Ogni vocabolo per noi desueto è spiegato dall’autrice nel modo migliore possibile: la Marazza lascia che siano i suoi personaggi a dire, tramite dialoghi, al lettore quello che non sa.
I personaggi sono davvero molti ma, anche se alcuni appaiono sulla scena solo per poche pagine, tutti approfonditi. Mi viene in mente, per esempio, il personaggio della Sposina che, pur facendoci compagnia per poche pagine, si presenta a noi con tutto il suo tremendo caratterino.
Ovviamente i più curiosi e approfonditi sono i personaggi di Caterina e Salem. Protagonisti che si scambiano continuamente il palcoscenico, le loro vite si intrecciano, si scontrano e si sfiorano dalla prima pagina fino all’ultima. Caterina è sommessa, gentile e senza malizia; Salem è forte ma nasconde dietro un’apparenza di sicurezza tutte le proprie numerosissime incertezze.
La trama si svolge tra il Monferrato, Pavia e Milano e ammetto che aver ritrovato nelle descrizioni della Marazza i colori e i paesaggi della mia terra, mi ha permesso di amare questo libro ancora di più.

In breve, secondo me il romanzo è valido e merita un 9/10. Si tratta di un ottimo romanzo storico che tratta il tema della stregoneria e della religione con delicatissima innocenza. Chi, come me, non sa niente di stregoneria o ha una idea distorta di questa pratica, data un po’ dai molti romanzi fantasy in circolazione e un po’ da tutte le trasposizioni cinematografiche, troverà tra queste pagine una spiegazione storica e accurata. La stregoneria non è, qui, spogliata del suo misticismo e delle sue superstizioni ma è presentata sia nei suoi lati più puri che in quelli più inquietanti e demoniaci.
Le storie di Caterina e di Salem si muovono tra Dio e il diavolo, tra pentimento e dannazione, tra paura e speranza, ma entrambe hanno come fine ultimo il dramma dell’amore e della sua perdita.
Consiglio il libro a tutti coloro che amano il medioevo, a chi è interessato al tema della stregoneria o a chi, semplicemente, vuole leggere una storia che pur parlando d’amore non abbia nulla di romantico. La sola vera e propria “nota negativa” che mi sento di segnalare, è per tutto l’arco narrativo c’è una eccessiva sessualizzazione di Caterina che, da questo punto di vista, ne subisce di cotte e di crude spesso senza una reale necessità.

*Volpe

La “Buona novella” della Terra di Mezzo: Tolkien e le allegorie invisibili

Contemporaneo di C.S.Lewis, uomo di lettere e storico, linguista e filologo e, a ragion veduta, consacrato padre della letteratura fantasy moderna, John Ronald Ruel Tolkien è un autore che non ha bisogno di presentazioni. 
Dalla loro pubblicazione, i suoi romanzi non hanno mai abbandonato gli scaffali delle librerie e sono già tre i volumi, curati dal figlio Christopher Tolkien (recentemente scomparso), pubblicati postumi.
Contemporaneo dell’autore de Le cronache di Narnia, Tolkien forgia le sue opere dando fondo alla sua vasta cultura e agli arricchimenti e suggerimenti che gli vengono dalla compagnia di accademici di Oxford. 
Tuttavia, nonostante l’ambiente culturale comune, la contemporaneità, le tematiche affini e l’amicizia che legava i loro autori, Le cronache di Narnia e Il Signore degli Anelli appaiono più che mai distanti, quasi agli antipodi.

L’intento pedagogico, e chiaramente evangelizzatore, di Lewis è declinato in una trama semplice con una spartizione netta tra bene e male, tra divino e malefico; gli stessi personaggi sono figure precise che, tanto nei nomi quanto nei tratti, richiamano figure bibliche ed evangeliche.
Il contesto quasi fiabesco in cui si muovono i beniamini di Lewis resiste,  alla moda di Tolkien, ne Lo Hobbit, antefatto de Il Signore degli Anelli e favola dell Terra di Mezzo, e nei primi capitoli de La compagnia dell’anello, per poi cedere il passo a scenari ereditati dai poemi epici medievali e germanici. 

Come l’autore a più riprese afferma, Il Signore degli Anelli non può essere considerato una parafrasi religiosa, né può essere utilizzato per leggere il contesto storico (caratterizzato da due guerre mondiali) in cui esso vede la luce. 
Tolkien è,  prima di tutto, un linguista e solo in seconda battuta uno scrittore: la Terra di Mezzo,  e tutti i suoi abitanti, sono conseguenti agli esperimenti linguistici compiuti nella creazione delle lingue degli elfi e delle altre creature che vivono in questo mondo. Sempre Tolkien è fermo nel chiarire i natali della sua opera e la sua natura meramente fantastica in cui trovano spazio personaggi nati per caso o emersi improvvisamente dalle ombre senza nome di una locanda.
Nonostante la sua caparbietà ad affrancare l’opera da qualsiasi interpretazione religiosa, filosofica e politica; l’autore non nega l’esistenza di un messaggio invisibile che, come un fiume sotterraneo, scorre dietro le pagine dei suoi romanzi.

Se identificare Aslan come figura cristica è automatico, quasi scontato, lo stesso non si può dire de i personaggi de Il Signore degli Anelli.
Molti hanno cercato di decifrare l’opera alla luce della fede cristiana, ma questi tentativi si sono rivelati per lo più fallimentari o forzati.
La salita di Frodo sul Monte Fato, piegato dal peso dell’Anello e reduce dalle torture degli orchi, è facilmente paragonabile alla salita di Cristo sul monte Golgota e tale analogia è rafforzata dal fatto che la distruzione dell’ Unico Anello avviene il 25 Marzo: festa dell’Annunciazione e data che, secondo un’antica tradizione inglese, coinciderebbe con il primo Venerdì Santo. 
Tuttavia questa interpretazione non tiene conto del fatto che, giunto al momento decisivo, Frodo sceglie di non distruggere l’Anello e, di fatto, tradisce la sua missione e tutti coloro che su di lui avevano riposto le loro speranze e fiducia.
Tolkien scrive un romanzo che parla di creature tanto fantastiche quanto umane e per questo corruttibili.
I limiti che vincolano lo scrittore: le sue debolezze, paure e iniquità; sono le stesse che zavorranno i suoi personaggi facendoli oscillare costantemente tra il bene e il male senza negare a nessuno un’opportunità di riscatto.
Alla luce di queste considerazioni un protagonista “perdente”, sconfitto, è quanto mai apprezzabile, perché ci permette di empatizzare e comprendere meglio la sua condizione mentale e spirituale.

Sempre l’episodio culmine della trilogia, permette di introdurre in maniera tanto silenziosa quanto incisiva il concetto della Provvidenza. 
La forza divina che muove le vicende de I promessi sposi, è, nelle opere tolkieniane, personaggio invisibile ma non silenzioso: camaleontico nel suo cambiare volto e voce senza mai diventare didascalico o moralista.

Frodo (parlando di Gollum): Che peccato che Bilbo non l’abbia ucciso quando poteva.

Gandalf: Peccato? È stata la pena che gli ha fermato la mano. Molti di quelli che vivono meritano la morte e molti di quelli che muoiono meritano la vita. Tu sei in grado di valutare Frodo? Non essere troppo ansioso di elargire morte e giudizi. Anche i più saggi non conoscono tutti gli esiti. Il mio cuore mi dice che Gollum ha ancora una parte da recitare nel bene o nel male, prima che la storia finisca. La pietà di Bilbo può decidere il destino di molti.

(Il signore degli anelli: La compagnia dell’Anello, Peter Jackson, 2001)

Ed è proprio Gollum, la vile creatura consumata dell’Anello che è sua croce e delizia, suo inizio e sua fine, l’ultimo personaggio ad incarnare la Provvidenza che, mentre Frodo e Sam sono dinnanzi alle fiamme del Monte Fato, segna con il suo intervento il destino dell’Anello e mette la parola “fine” all’intera faccenda .

È dunque sbagliato cercare a tutti i costi un senso religioso a Il Signore degli Anelli? Quale significato hanno le allegorie invisibili che compongono il messaggio nascosto di Tolkien, la “Buona novella” della Terra di Mezzo?
Il signore degli Anelli, come abbiamo già chiarito, non è Le cronache di Narnia né ambisce ad avere lo stesso scopo.
Lo stile e le tematiche non sono per bambini e, abbandonato ogni intento pedagogico, Tolkien alza il tiro costringendo personaggi e lettori a confrontarsi con un concetto che supera la mera distinzione tra bene e male, che restano comunque due concetti chiari tanto nella distinzione di determinati ruoli quanto nell’intimo dei personaggi, e tocca nel profondo le coscienze.
Isildur e Sauron per primi e poi Frodo, Boromir, Aragorn, Galdriel e tutti gli altri protagonisti dell’opera vengono posti davanti ad una domanda che supera le barriere del tempo e dello spazio: “Come reagire alla tentazione?”
E questa domanda è subito seguita da un’altra: “Si è in grado di riconoscere il male?”
Coloro che sono maggiormente tentati e che più soffrono del distacco dell’anello sono coloro che non ne comprendono appieno la minaccia o che hanno la presunzione di esserne immuni o in grado di domarlo.
Il signore degli Anelli non è meno formativo di altri romanzi, semplicemente non fa dell’insegnamento il fine, lasciando al lettore la libertà di approcciarsi a una storia fantasy ben scritta piuttosto che ad una parabola su valori immortali quali: amicizia, fedeltà, onore, sacrificio, onestà e amore.

*Jo

Leggi anche Il leone, la fede e il libro – Il simbolismo del leone ne “Le cronache di Narnia”

Animali Fantastici e come evocarli: i patronus più rari del mondo di Harry Potter e il loro significato

Uno degli incantesimi più complicati che vengono insegnati alla scuola di magia e stregoneria di Hogwarts è senza dubbio Expecto Patronum.
A differenza degli altri incantesimi, l’Expecto Patronum è considerato un incantesimo “soggettivo”: che si basa sui ricordi e le emozioni di chi lo lancia; una sfida ben più ardua di un semplice movimento di bacchetta e di una formula ben recitata.
Già dal terzo capitolo della saga, questo incantesimo entra, con un ruolo tutt’altro marginale, nella trama ma è solo nel quindi romanzo che viene approfondita la sua natura e i suoi usi.
Sempre ne L’Ordine della Fenice, vengono inoltre presentati i patroni corporei dei personaggi principali.
L’universo creato da J.K. Rowling è popolato da creature fantastiche appartenenti a mondi e culture differenti tra di loro e, nonostante i patronus tendano a prendere le sembianze di animali “comuni”(quasi babbani), alcuni solo maghi riescono ad evocare un patronus corporeo con le sembianze di un animale magico.
In questo articolo vi spiegheremo il significato di alcuni di questi animali fantastici: dai più comuni e famosi fino a soffermarci su alcune creature comparse in Animali fantastici e dove trovarli e I crimini di Grindelwald.

.: FENICE :.

La fenice è il Patronus e l’animale da compagnia di Albus Silente. In ogni tempo e luogo è conosciuta per la sua natura immortale e per la sua capacità di risorgere dalle proprie ceneri.
La fenice è collegata all’idea di rinnovamento e di purificazione e alle pratiche alchemiche. La fenice si distrugge e si crea da sola e, di conseguenza, non riconosce l’autorità di nessuno. Da un punto di vista spirituale la morte e la rinascita della fenice rappresentano il processo di redenzione e purificazione di un’anima e il mutamento spirituale di una persona.

.: DRAGO :.

Il drago è uno di quei patronus più rari e non ha bisogno di presentazioni.
Animale mitologico per eccellenza: il drago è una creatura ricorrente in tutte le culture e le tradizioni del mondo e può vantare una lunga serie di significati, non che una più che nutrita letteratura.
Nella cultura occidentale, esso è spesso associato al serpente e, di conseguenza, all’idea di malvagità e pericolo.
Fin dagli albori della civiltà greca, è raffigurato come il mostro da cui salvare principesse e città e la sua cattiva reputazione si consolida nel medioevo dove viene spesso utilizzato come allegoria del diavolo, del peccato e anche del paganesimo.
Al contrario, presso i popoli dell’estremo oriente, il drago rappresenta il cosmo e l’ordine universale: è un simbolo buon auspicio ed è uno dei segni dello zodiaco cinese.
Il drago è l’animale che meglio incarna l’idea di forza e di totalità, infatti egli è considerato l’unione dei quattro elementi: corpo di rettile (terra), ali (aria), fuoco e tane costruite presso grotte umidi e paludi (acqua).

.: UNICORNO :.

L’unicorno è una delle immagini più ricorrenti nei bestiari medievali e da sempre stuzzica la fantasia di scrittori e sognatori.
Il timido cavallo con il corno in mezzo alla fronte è forse una delle creature che meglio incarna il concetto di “magia” e, di fatto, è uno degli animali più usati per rappresentare la letteratura fantastica.
La sua natura timida, mite e riservata hanno fatto sì che l’unicorno venisse associato all’universo femminile, ai suoi vizi e alle sue virtù: se infatti l’unicorno è simbolo di purezza (stando alla leggenda solo le vergini possono avvicinarlo), gentilezza e saggezza, è anche vero che è anche associato alla frivolezza e alla vanità.
In senso più lato l’unicorno racchiude in sé ideali di forza, energia, libertà, indipendenza, spiritualità e nobilità, motivo per cui esso compare, insieme al leone, nello stemma reale del Regno Unito.

.: CAVALLO ALATO :.

Il cavallo alato Pegaso è uno dei cavalli più famosi e affascinanti dell’universo fantastico.
Nato, secondo la tradizione, dal sangue di Medusa: questo animale è il degno compagno di dei ed eroi.
Stando alle leggende, domare un cavallo alato è un’impresa pressoché impossibile e proprio per questo motivo Pegaso incarna, come molti dei suoi parenti equini, ideali di libertà, indipendenza ed è un simbolo apprezzato anche da chi non ama adeguarsi al conformismo: infatti la sua rappresentazione più comune, rampante e con le ali spiegate, è un chiaro invito a cercare la propria strada e a puntare in alto.

.: SALAMANDRA :.

Simbolo alchemico per eccellenza la salamandra (o salamandra di fuoco) è un animale tutt’altro che scontato sospeso fra realtà e fantasia.
Raffigurata come una grossa lucertola (o un drago senza ali), essa è presente nei bestiari e nei libri di alchimia come animale legato al fuoco, al calore e, in ultimo, alla vita e, per questo, ricorre come allegoria di Cristo.
Tuttavia, la fama della salamadra di fuoco non si ferma al medioevo e anche nella letteratura contemporanea e nelle produzioni cinematografiche essa ricorre come simbolo del fuoco: i pompieri di Fahrenheit 451 la adottano come loro emblema per via della sua capacità di resistere alle fiamme e in Frozen – Il segreto di Arendelle, la regina Elsa doma lo spirito del fuoco incarnato in una salamadra color ceruleo.
Altra dote della salamadra, forse attribuitale per via dei suoi occhi grandi e sporgenti, è quello della profezia.
Come tutti gli anfibi, la salamandra si distingue per la sua vitalità (altro tratto in comune con il fuoco) e per la sua velocità: è per questo che, tra i suoi connotati troviamo, oltre alla vita e alla luce, anche la vivacità (sia fisica che intellettuale e spirituale), l’energia, la forza e la passione.

.: THESTRAL :.

Considerato un presagio di morte e di sventura, l’opinione pubblica sul thestral e la sua reputazione sono tutt’altro che lusinghiere.
Il thestral è il patrono degli incompresi e degli anticonformisti, di coloro che non si fermano alle apparanze ma indagano cercando di cogliere la vera essenza delle cose.
Pur non potendo contare su un aspetto particolarmente accattivante, il thestral ha uno spirito docile e gentile, protettivo e devoto nei confronti di coloro che riescono a guadagnarsi la sua fiducia. Come il cavallo alato, il thestral incarna ideali di dinamismo e libertà, ma ha anche un legame stretto con l’introspezione e denota un carattere leale.

.: IPPOGRIFO&GRIFONE:.

L’ippogrifo è forse una delle creature mitologiche più antiche e affascinanti: metà cavallo, metà leone e metà aquila; esso compare nelle leggende greche e romane e, attraverso il medioevo, viene consacrato quale cavalcatura di eroi e paladini.
I bestiari medievali consacrano l’ippogrifo, e il grifone (sua variante privo di caratteristiche equine), come il re di tutti gli animali perché nato dalla fusione di un leone (il re indiscusso della foresta e della terra ferma) e dell’aquila (la signora dei cieli).
Nonostante le numerose leggende che lo riguardano, il primo a darne una descrizione accurata è Ariosto che affianca questa creatura portentosa ai suoi paladini permettendogli così di compiere imprese leggendarie e viaggi impensabili per un uomo del rinascimento.
L’ippogrifo è un animale altero e nobile e, per questo, doppiamente pericoloso: di carattere indipendente, è tuttavia disposto a farsi domare solo da chi ne è veramente degno e, per questo, è spesso considerato il destriero di eroi, cavalieri e stregoni.

.: OCCAMY :.

Presentato nel film Animali fantastici e dove trovarli, l’occamy è una delle creature più affascinanti e allo stesso tempo pericolose del mondo magico: caratteristiche che si riscontrano anche nei patronus corporei che assumono questa forma.
Creatura dai natali orientali, nonostante la sua somiglianza con il serpente piumato delle civiltà mesoamericane, l’occamy è un gigantesco bipede con corpo da serpente e volto da uccello noto agli zoologi del mondo magico per la sua capacità di adattarsi perfettamente per riempire lo spazio circostante riuscendo così a modificare le proprie dimensioni a seconda della necessità.
La caratteristica che contraddistingue l’occamy è il suo istinto materno che lo spinge ad essere molto protettivo nei confronti di quelli che considera come parte della famiglia.

*Jo

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Carnival Row ~ Streaming and Pajamas

.: TRAMA :.

La serie è ambientata in un mondo fantasy vittoriano abitato anche da creature mitologiche costrette a fuggire dai loro regni di origine, in seguito all’invasione subita dagli uomini. Per loro, alle quali è proibito vivere, amare e volare in libertà, è impossibile convivere con tali esseri. Ma anche nell’oscurità la speranza sopravvive: un detective umano, Rycroft Philostrate, e una fata, Vignette Stonemoss, intrecciano una relazione pericolosa in una società sempre meno tollerante. Vignette, inoltre, cova un segreto che potrebbe mettere in pericolo il mondo di Philostrate proprio mentre lui lavora al caso più importante della sua carriera: una serie di orribili omicidi che sta mettono a repentaglio la pace a Row.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Le premesse che accompagnano Carnival Row sono buone e l’ambientazione fantasy vittoriano serve a dovere una narrazione che, pur non tradendo la sua natura “fantastica” vuole far riflettere su tematiche tanto attuali quanto delicate come l’immigrazione, il divario (molto accentuato in alcuni paesi) tra ricchi e poveri, l’emarginazione sociale, il razzismo e i pregiudizi che da esso si originano.
I buoni propositi della serie tv, vengono tuttavia traditi da una trama piena di buchi (compagnie di rivoltosi capaci di creare scompiglio per due episodi per poi essere completamente dimenticate, congiure architettate con lungimiranza degna del miglior indovino, …) che vuole in maniera fin troppo evidente cavalcare l’onda creata da Game of Thrones, ma risulta solamente uno strano e poco riuscito mix tra i romanzi di Martin e una nuova declinazione di Romeo e Giulietta (alata).
Ad accrescere la senzazione di guardare una versione vittoriana de Il Trono di Spade concorre la scelta del cast che, arricchita da volti già visti nella sopracitata serie tv della HBO, ripropone gli stessi prototipi di personaggi già visti in Game of Thrones: donne astute, prive di scrupoli, pronte a tutto pur di ottenere ciò che vogliono per se stesse o per la loro progenie; donne guerriere che, meramente ai fini di creare una coppietta un po’ scontata, si lasciano intortare e incastrare nei peggiori inganni per poter poi essere salvate dal Jon Snow di turno; prostitute sveglie, ambiziose e, allo stesso tempo, di buon cuore; uomini che diventano marionettare del gentil sesso ricordando agli spettatori una “balbettante bambocciona banda di babbuini”.
Un altro problema di questa serie televisiva è l’evidente tentativo dei produttori di renderla interessante mescolando elementi di culture non solo diverse ma anche incompatibili. L’ambientazione, come già detto, ricorda l’Inghilterra di fine ottocento e questo ha dato lo spunto per tirare fuori elementi Lovecraftiani che ricordano molto i miti di Chtulu, senza però che questi abbiano un vero senso logico all’interno della narrazione. Come se non bastasse, la terra delle fate è chiamata Tirnanoc, nome che ricorda il più famoso Tir na Nog, ossia l’altromondo della mitologia irlandese.
Insomma, noi non abbiamo affatto apprezzato questo tentativo di mescolare elementi tanto dissimili, spesso usati anche a sproposito come nel caso del richiamo al Tir na Nog, tra loro.
La trama principale, che vede per protagonisti uno Jon Snow detective e una Winx guerriera, perde di attrattiva nel giro di pochi episodi, mentre filoni secondari, come quello di cui è protagonista Imogen Spunrose, si sviluppano bene e appassionano anche più della trama principale.

Trucco ed effetti speciali lasciano sbalorditi e ben collaborano a creare l’ambientazione fantasy della storia.
La fotografia e l’utilizzo della luce è nella norma e, così come la colonna sonora, non collabora minimamente allo sviluppo della narrazione né alla caratterizzazione dei personaggi.

Una seconda occasione si dà a tutti e speriamo che nella seconda stagione non vengano reiterati gli errori che abbiamo riscontrato nella prima serie. Il voto che gli diamo è di incoraggiamento: 6,5/10.

“OLIMPO: GIOIE E DISAGI”, CONVERSAZIONE CON FEDINI

13335423_254928794871161_1831800646_nQuest’oggi, abbiamo deciso di intervistare Federico Bauzon, in arte Fedini, ideatore e disegnatore della serie di fumetti pubblicata sulla pagina facebook “Olimpo: gioie e disagi”.

I suoi disegni e le sue storie divertenti, ironiche e, in certi casi, a sfondo un po’ osé hanno conquistato il cuore di migliaia di lettori e aspiranti fumettisti che vedono in questo ragazzo un modello da imitare.

Ma conosciamo meglio questo simpatico ed ignegnoso ragazzo.

– Per cominciare, volevo ringraziarti per aver deciso di dedicarci del tempo e rispondere ad alcune delle nostre domande. La mia prima curiosità riguarda la tua principale fonte di ispirazione: cosa ti ha portata a cominciare a scrivere e disegnare gli dei dell’antica Grecia in chiave così ironica, divertente e originale?
Fin da piccolo mi sono trovato “immerso” nella mitologia greca: mio padre mi raccontava l’Iliade, l’Odissea e altri racconti mitologici perciò questo è un tema che mi accompagna da tutta la vita; un tema che a un certo punto, oserei dire quasi naturalmente, si è unito alla mia più grande passione, il disegno. Ho iniziato parecchio tempo fa a dare la mia interpretazione dei personaggi dell’Olimpo, li ho studiati più nel dettaglio leggendo quanto più possibile sul loro carattere e le loro imprese, e poi ho semplicemente cominciato a farli interagire fra loro, per divertimento.

– Visto che hai cominciato un po’ per gioco, ti aspettavi che questo tuo divertimento avrebbe avuto tanto successo? Pensi sia dovuto a qualcosa in particolare?
Confesso che non mi sarei mai aspettato un simile successo, è stata una piacevolissima sorpresa! Sono del parere che questo progetto a tema mitologico piaccia perché esplora diverse sfere emotive, dalle strisce ironiche e leggere ai racconti più seri e, ovviamente, perché tratta di mitologia greca, un tema che a noi mediterranei è tanto caro e “familiare”, anche se non sempre ce ne rendiamo conto. E poi ci sono i personaggi: secondo me sono loro il vero “motore” di tutto il progetto, più che le storie di per sé.

– Sono assolutamente daccordo, pertanto ora ci tocca una domanda proprio su di loro: c’è un personaggio che ti sta particolarmente a cuore e che ami disegnare più degli altri? Quale invece ha fatto più “colpo” sui tuoi lettori?
Il mio preferito è Ares… oltre a divertirmi un mondo a bistrattarlo è un ottimo esercizio di anatomia, con tutti quei muscoli da disegnare! Credo che ogni lettore parteggi per l’uno o l’altro dio… anche se credo che il preferito di tutti sia Dioniso…

– Chissà come mai.
Sbirciando qua e là sono venuta a conoscenza che hai collaborato alla realizzazione di un volume cartaceo per una casa editrice, ovviamente la domanda sorge spontanea: ci sarà nai qualcosa di pienamente tuo in cartaceo?
Assolutamente sì! sto lavorando duramente ad una raccolta di strisce per un cartaceo. tuttavia non so ancora se vorrò pubblicarlo tramite casa editrice, pur avendo ricevuto delle offerte, o se opterò per l’autoproduzione (opzione che lascia completa libertà nei contenuti).

– Le ultime domande: cosa consiglieresti a chi vuole cominciare a scrivere e disegnare fumetti propri? Che incoraggiamenti hai avuto tu?
l’unico incoraggiamento che ho avuto è stato l’apprezzamento e la partecipazione dei lettori! non avrei mai pensato seriamente di fare fumetto prima di ora… è nato tutto così spontaneamente che non saprei nemmeno cosa consigliare, se non di amare, e soprattutto credere nel proprio progetto… se ci si immerge in quel mondo e si conoscono i personaggi in maniera approfondita le idee vengono fuori da sé.

– C’è un disegno o una storyline cui sei particolarmente affezionato?
Le strisce a cui mi affeziono di più sono quelle per cui vedo già una continuazione, una situazione parallela o l’entrata in scena di un nuovo personaggio… ma non posso sceglierne una, in qualche modo tutte mi trasmettono qualcosa, mentre le disegno… le amo tutte!

– Bene, ti ringraziamo davvero per aver risposto alle nostre domande e ti auguriamo tanta fortuna!
Grazie! Anche io a voi!

 

*Volpe

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Colei che ci sostenta e ci governa

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Quando si parla di “Giornata della Terra”, i più scorrono in fretta la pagina certi di trovarsi di fronte all’ennesima predica ambientalista. Convinti di aver già letto e sentito tutto quello che poteva essere detto e scritto sul nostro pianeta. Quella che voglio proporvi non è un bolo rigurgitato e stantio di perle filosofiche di bassa lega. Intendo, piuttosto, condurvi alla scoperta della Terra e della natura attraverso gli occhi dei poeti e della letteratura.

Partendo dagli albori della civiltà incontriamo in quasi tutte le culture e le società antiche il culto della Madre Terra: un essere di sesso femminile solitamente ritratta con un seno prosperoso e il ventre gonfio come quello di una donna in dolce attesa. E’ interessante già da qui iniziare a porre l’attenzione su questo fatto. La terra, in tutte le culture del mondo, è una donna ed è una madre: l’unico essere vivente in grado di generare la vita. L’onore di rappresentare la Madre di tutte le cose spetta alla donna che, in quanto genitrice per eccellenza, ha l’onore di essere anche la personificazione della Grande Madre. A questo punto le mitologie prendono strade diverse ed ognuna crea miti e leggende coerenti con la civiltà da cui è stata partorita. Nel bacino mediterraneo si diffonde il culto di Gea, la madre primordiale nata immediatamente dopo Chaos, progenitrice dei titani e degli dei dell’Olimpo. Una madre che, nella mitologia biblica, e nell’iconografia cristiana viene poi mutuata in Eva, il cui nome significa appunto “Colei che dà la vita”, e nella figura della Vergine Maria.
L’idea di Gea, della Madre Terra, sopravvive per secoli e questo culto, di chiaro stampo pagano, viene inglobato nell’idea del Creato. La narrazione biblica è una delle poche che si distacca dal filone della Madre Terra in favore di un creatore maschile che genera le cose e le rende buone ( Genesi 1,1-25)

1In principio Dio creò il cielo e la terra. 2Ora la terra era informe e deserta e le tenebre ricoprivano l’abisso e lo spirito di Dio aleggiava sulle acque.3Dio disse: «Sia la luce!». E la luce fu. 4Dio vide che la luce era cosa buona e separò la luce dalle tenebre 5e chiamò la luce giorno e le tenebre notte. E fu sera e fu mattina: primo giorno.6Dio disse: «Sia il firmamento in mezzo alle acque per separare le acque dalle acque». 7Dio fece il firmamento e separò le acque, che sono sotto il firmamento, dalle acque, che son sopra il firmamento. E così avvenne. 8Dio chiamò il firmamento cielo. E fu sera e fu mattina: secondo giorno.9Dio disse: «Le acque che sono sotto il cielo, si raccolgano in un solo luogo e appaia l’asciutto». E così avvenne. 10Dio chiamò l’asciutto terra e la massa delle acque mare. E Dio vide che era cosa buona. 11E Dio disse: «La terra produca germogli, erbe che producono seme e alberi da frutto, che facciano sulla terra frutto con il seme, ciascuno secondo la sua specie». E così avvenne: 12la terra produsse germogli, erbe che producono seme, ciascuna secondo la propria specie e alberi che fanno ciascuno frutto con il seme, secondo la propria specie. Dio vide che era cosa buona. 13E fu sera e fu mattina: terzo giorno.14Dio disse: «Ci siano luci nel firmamento del cielo, per distinguere il giorno dalla notte; servano da segni per le stagioni, per i giorni e per gli anni 15e servano da luci nel firmamento del cielo per illuminare la terra». E così avvenne: 16Dio fece le due luci grandi, la luce maggiore per regolare il giorno e la luce minore per regolare la notte, e le stelle. 17Dio le pose nel firmamento del cielo per illuminare la terra 18e per regolare giorno e notte e per separare la luce dalle tenebre. E Dio vide che era cosa buona. 19E fu sera e fu mattina: quarto giorno.20Dio disse: «Le acque brulichino di esseri viventi e uccelli volino sopra la terra, davanti al firmamento del cielo». 21Dio creò i grandi mostri marini e tutti gli esseri viventi che guizzano e brulicano nelle acque, secondo la loro specie, e tutti gli uccelli alati secondo la loro specie. E Dio vide che era cosa buona. 22Dio li benedisse: «Siate fecondi e moltiplicatevi e riempite le acque dei mari; gli uccelli si moltiplichino sulla terra». 23E fu sera e fu mattina: quinto giorno.24Dio disse: «La terra produca esseri viventi secondo la loro specie: bestiame, rettili e bestie selvatiche secondo la loro specie». E così avvenne: 25Dio fece le bestie selvatiche secondo la loro specie e il bestiame secondo la propria specie e tutti i rettili del suolo secondo la loro specie. E Dio vide che era cosa buona.

L’idea della natura come “cosa buona” sussiste malgrado la contaminazione del peccato e la corruzione dell’uomo. Il Creatore sostiene tutte le sue creature, le riveste di splendore (come nemmeno i grandi re vestono) e si prende cura di tutte le forme di vita. E’ quindi scontato che San Francesco, nel suo cantico, elogi e ringrazi per tutto ciò che circonda l’uomo.

« Altissimu, onnipotente, bon Signore,
tue so’ le laude, la gloria e ‘honore et onne benedictione.
Ad te solo, Altissimo, se konfàno et nullu homo ène dignu te mentovare.
Laudato sie, mi’ Signore, cum tucte le tue creature, spetialmente messor lo frate sole, lo qual è iorno, et allumini noi per lui. Et ellu è bellu e radiante cum grande splendore, de te, Altissimo, porta significatione.
Laudato si’, mi’ Signore, per sora luna e le stelle, in celu l’ài formate clarite et pretiose et belle.
Laudato si’, mi’ Signore, per frate vento et per aere et nubilo et sereno et onne tempo, per lo quale a le tue creature dài sustentamento.
Laudato si’, mi’ Signore, per sor’aqua, la quale è multo utile et humile et pretiosa et casta.
Laudato si’, mi’ Signore, per frate focu, per lo quale ennallumini la nocte, et ello è bello et iocundo et robustoso et forte.
Laudato si’, mi’ Signore, per sora nostra matre terra, la quale ne sustenta et governa, et produce diversi fructi con coloriti flori et herba.
Laudato si’, mi’ Signore, per quelli ke perdonano per lo tuo amore, et sostengo infirmitate et tribulatione.
Beati quelli ke ‘l sosterrano in pace, ka da te, Altissimo, sirano incoronati.
Laudato si’ mi’ Signore per sora nostra morte corporale, da la quale nullu homo vivente pò skappare: guai a quelli ke morrano ne le peccata mortali; beati quelli ke trovarà ne le tue santissime voluntati, ka la morte secunda no ‘l farrà male.
Laudate et benedicete mi’ Signore’ et ringratiate et serviateli cum grande humilitate »

E’ singolare come all’inizio della storia della letteratura italiana vi sia un cantico che non parla d’amore né di eroiche gesta, ma loda, anzi, canta al creato e a tutto ciò che in esso è racchiuso. Il sole che scalda, le stelle che guidano i viandanti, il vento che fa respirare, l’acqua che disseta, il fuoco che illumina, la terra che sostiene e governa circondandoci di fiori e frutti per il sostentamento nostro e degli animali. Persino la morte, acerrima nemica della vita che qui viene esaltata, trova il suo posto tra questi versi e viene chiamata sorella dal cui abbraccio nessun vivente (uomo, animale o pianta) può scappare. Questa concezione della morte come sorella, come necessaria, può apparire macabra e persino drammatica, eppure è proprio la morte a mandare avanti la vita sulla terra: un cerchio in cui la morte trasforma le cose per preparare il terreno a nuovi esseri viventi e a nuove esistenze.

Facciamo un salto di circa 500 anni ed approdiamo nella poesia di Giacomo Leopardi che, per via della sua cultura illuminista e romantica allo stesso tempo, ha con la natura un rapporto a dir poco conflittuale ma che, in linea di massima, si può decisamente definire di ribellione.
Ella è una tiranna, avida di sofferenze che attende i suoi figli come il serpente a sonagli attende lo scoiattolo che da lui scappa. Ella è crudele, non è una madre, non la si può nemmeno chiamare regina, che già sarebbe un complimento. Per Leopardi, al contrario di San Francesco, il rapporto tra uomo e natura è molto più simile a quello che l’uomo contemporaneo ha con il creato. Sfruttare, combattere, accaparrare gioie nel tentativo fallace di sfuggire agli artigli di forze ben più grandi, che puntualmente arrivano a distruggere ciò che con gli arnesi ormai consumati così difficilmente si è costruito. La natura non è Madre, il suo nome non è più né Eva né Gea, ma può essere chiamata come la prima femme fatal: Lilith. Per un’anima raminga, come quella di Leopardi, la Luna e le stelle, che guidavano i passi di San Francesco e illuminavano la notte, non sono niente più e niente meno che astri silenti, luci fredde e impassibili che non ascoltano né capiscono le domande dell’uomo.

Che fai tu, luna, in ciel? dimmi, che fai,
Silenziosa luna?
Sorgi la sera, e vai,
Contemplando i deserti; indi ti posi.
Ancor non sei tu paga
Di riandare i sempiterni calli?
Ancor non prendi a schivo, ancor sei vaga
Di mirar queste valli?
Somiglia alla tua vita
La vita del pastore.
Sorge in sul primo albore
Move la greggia oltre pel campo, e vede
Greggi, fontane ed erbe;
Poi stanco si riposa in su la sera:
Altro mai non ispera.
Dimmi, o luna: a che vale
Al pastor la sua vita,
La vostra vita a voi? dimmi: ove tende
Questo vagar mio breve,
Il tuo corso immortale?

(Canto Notturno di un Pastore errante dell’Asia – Giacomo Leopardi)

Ovviamente in queste poche righe sono stati tralasciati moltissimi poeti e scrittori che hanno reso omaggio o dichiarato la loro avversione verso la Madre Terra. Come al solito, citare tutti non è possibile e si rischierebbe solamente di fare un guazzabuglio di nomi, versi e parole che non renderebbe onore ai padri e alle madri della nostra letteratura.

*Jo

Dei ed eroi del XXI secolo – Gli eroi della Marvel protagonisti dell’epica americana (parte 2)

In questa seconda parte dedicata ai supereroi della Marvel inizieremo ad analizzare la personalità di uno dei protagonisti del prossimo film Marvel “Captain America- Civil war”. La nostra analisi non si fermerà tuttavia ad una semplice descrizione del personaggio, ma cercheremo di portare alla luce tutte le caratteristiche che legano Captain America ad altri personaggi della letteratura europa o dell’epica antica. In fondo all’articolo troverete, nel caso ve lo foste perso, la prima parte di questo approfondimento.

2. CAPITAN AMERICA: IL BUON SOLDATO 

1.1 Di secolo in secolo: immagini e modelli che non muoiono mai                                 

Che si tratti di romanzi o racconti brevi, fumetti o lungometraggi, ogni storia racconta le vicissitudini più o meno realistiche di personaggi realmente esistiti o frutto della fantasia. Attraverso la narrazione prendono forma e vita gli ideali, le speranze, i sogni e le paure della società a cui appartengono i personaggi di cui si scrive. La mitologia americana non è in questo senso da meno: i suoi supereroi, così come i loro antagonisti, sono l’incarnazione degli ideali in cui il popolo americano si riconosce e delle crociate che esso ha intrapreso per diffondere ovunque gli ideali espressi nella Dichiarazione di Indipendenza. Nelle pagine che seguono analizzerò due supereroi della casa Marvel soffermandomi sulle loro peculiarità quali la personalità, i loro poteri e la loro uniforme; per poi cercare all’interno della mitologia classica e della letteratura europea figure che presentano caratteristiche analoghe a quelle del supereroe trattato. Questo confronto servirà a mettere in luce come, di secolo in secolo, di paese in paese, di società in società, persista una tipologia di personaggio che può essere considerata un archetipo.

2.1 Capitan America: da grandi poteri derivano grandi responsabilità

Capitan America (Captain America) è senza dubbio il supereroe che meglio si presta a rappresentare gli ideali e la cultura americana; si può quasi affermare che esso sia un’incarnazione stessa dell’America. Tale personificazione ha inizio dallo pseudonimo adottato da Steve Rogers in seguito all’iniezione di un siero che lo trasforma in un super soldato programmato per combattere al fianco degli Alleati e sconfiggere i nazisti e, più nello specifico, il famigerato scienziato nazista Teschio Rosso (Red Skull).

La figura di Capitan America nasce dalla matita e dalle menti di Joe Simon e Jack Kirby nel 1941 e fin dalla sua comparsa incarna gli ideali democratici tanto cari alla nazione americana. Il primo numero del fumetto a lui dedicato vede la luce in un periodo storico particolarmente delicato per l’America e il mondo intero. Nato nel corso della seconda guerra mondiale, è fin da subito evidente come questo personaggio non sia solamente l’ennesima trovata dell’editoria fumettistica, ma abbia un importante ruolo all’interno di un conflitto che non era solo armato, ma anche propagandistico.A guerra finita il personaggio si evolve per seguire il ritmo degli eventi in cui è coinvolta l’America e da cacciatore di nazisti diventa, durante la guerra fredda, un cacciatore di comunisti anche se questa nuova missione non riscuote presso il pubblico lo stesso successo che aveva avuto la sua lotta contro Teschio Rosso e il regime hitleriano.

Capitan America è l’America e l’America si riflette in Capitan America. Questo spiega le continue mutazioni comportamentali a cui il personaggio va incontro nel corso degli anni in modo da corrispondere sempre più fedelmente alla nazione di cui è icona. Nel 1941 è il soldato che difende la libertà; nel corso della guerra fredda l’avversario dell’unico sistema totalitario rimasto in piedi al termine della seconda guerra mondiale; e oggi egli rappresenta la coscienza del popolo americano e in quanto tale lotta contro i mali della società contemporanea.

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Il primo livello su cui si realizza l’immedesimazione di Capitan America con la nazione americana è la sua uniforme. A differenza di Iron Man, Thor o altri supereroi Capitan America indossa un’uniforme che richiama idealmente alle sue origini militari. La sua tuta è di fatto una bandiera americana in cui l’azzurro si affianca al rosso e al bianco e sul cui petto campeggia una stella bianca a cinque punte, motivo che viene ripreso anche dallo scudo (per certi versi l’aspetto dello scudo di Captain America ricorda quello di Achille in cui vi era un ritratto della società greca dell’epoca) che il supereroe porta sempre con sé. Sul capo il capitano porta una maschera blu decorata con una “A” sulla fronte e due ali ai lati: richiamo alle ali che ornavano i calzari del dio greco Mercurio e all’aquila simbolo di libertà e forza.

Se la prima corrispondenza tra America e Capitan America è di tipo visivo e ci viene suggerita dall’uniforme del supereroe, la seconda fase del processo di identificazione  avverrà attraverso il  nome, la personalità e i comportamenti del personaggio. “Cap”, “La sentinella della libertà”, “La leggenda vivente”… sono tanti i nomi con cui viene chiamato Capitan America e ognuno di essi sottolinea come il capitano Rogers sia la massima e più completa espressione del sogno americano, la nemesi di tutte le forme di criminalità e di tirannia, l’ispiratore delle forze armate e l’emblema del coraggio e del valore militare e umano. Egli possiede tutte le caratteristiche che in passato erano proprie degli eroi greci: onestà, perseveranza, lealtà, autorevolezza, onore.

A più riprese, nelle saghe che hanno come protagonista Capitan America, viene messo in risalto il suo essere un uomo virtuoso: risoluto nei suoi intenti, ma capace di essere magnanimo con i nemici sconfitti, dotato di spirito di sacrificio e affatto interessato all’arrivismo o all’autoaffermazione:

 It was never about politics. It was never about me. It was about the country. It was always about the country.[1]

O ancora:

 Bobby Shaw of Texas did what so many young men and women did then, and continue to do to this day: he gave his life three thousand miles from home so that others might live free. I have been to the end of the skies and back. I have been in the company of heroes. Of all those heroes, he was the bravest I ever known.[2]

Malgrado la sua forza eccezionale e le sue capacità di gran lunga superiori alla media, Capitan America non si considera mai migliore degli altri o più  meritevole di encomi e medaglie rispetto ai suoi commilitoni. Egli considera i suoi “poteri” un dono e in quanto tali li usa con giustizia e,

soprattutto, senza mai perdere quell’umiltà che lo aveva caratterizzato fin da prima di diventare l’icona della lotta al nazismo.

Nonostante le mille imprese, i riconoscimenti e tutto quello che ha comportato diventare Capitan America, Steve Rogers rimane in fondo il ragazzino troppo gracile per il servizio di leva, ma non per questo meno determinato a diventare un soldato e a servire la propria nazione: “I never wanted to be Captain America. I was just supposed to be a soldier… I just wanted to serve.”[3]

2.3 Il manifest destiny: la buona battaglia della sentinella della libertà

Abbiamo avuto modo di vedere come a livello visivo vi sia una totale corrispondenza tra personaggio e nazione americana. Ma a livello ideologico dove si concretizza tale personificazione? Quali sono i valori che differenziano Capitan America dagli eroi dell’epica classica o dai protagonisti della letteratura? Quali sono i tratti – al di là del nome – che fanno di lui un eroe “made in USA”?

Capitan America è l’incarnazione del manifest destiny, ovvero della missione di cui il popolo americano si è fatto carico al fine di portare in tutto il mondo la luce della democrazia, i semi della speranza, i vantaggi del progresso, il diritto alla libertà e alla felicità e l’attaccamento fedele alla famiglia e alla patria. Steve Rogers è il paladino che combatte contro i sistemi totalitari che intendono mettere dei freni alla libertà e impedire all’individuo di realizzare la propria felicità a livello sia personale sia collettivo. Le sue imprese non sono dimostrazioni di forza o di abilità, ma vere e proprie crociate dove la vera protagonista è la libertà da ristabilire, da difendere o da trasmettere come valore sacro e per questo inviolabile.

2.4 Ettore, Enjolras, Faramir: il principe, il martire e il capitano

Scopo del presente lavoro è analizzare i legami che uniscono i personaggi della mitologia americana a quelli della letteratura e dell’epica europea. A partire dai poemi di età classica, per arrivare ai romanzi del novecento, si incontrano tra le pagine dei libri decine di personaggi che per fibra morale, coraggio, spirito di sacrificio e amore per la patria, la famiglia e la libertà; possono essere considerati come i fratelli maggiori di Capitan America.

A un’analisi più attenta ci si rende conto che Capitan America non è semplicemente un supereroe o un soldato, ma è l’eroe per eccellenza in quanto dotato di quelle caratteristiche che, nel corso dei secoli, hanno consacrato altre personalità, più o meno romanzate, iscrivendole di diritto nel pantheon delle figure associabili al concetto di eroismo. Tra i tanti vi sono: Ettore, il campione troiano che compare nel poema epico Iliade (VI secolo a.C) scritto da Omero, Enjolras, il giovane a capo della rivoluzione francese nel capolavoro di Victor Hugo Les Misérables (1862) , e Faramir, il capitano degli eserciti di Gondor nel romanzo di J. R. R. Tolkien The Lord of the Rings (1954).

Ettore è l’eroe nella guerra contro i Greci: era un principe di Troia, primogenito di Priamo ed Ecuba, sposo di Andromaca e padre di Astianatte. Nell’Iliade egli ha un ruolo principale in quanto è l’unico ad avere il coraggio di affrontare sul campo di battaglia gli eroi più forti e valorosi dell’esercito greco tra cui Aiace, Patroclo e Achille. Nel poema Ettore incarna i valori del mondo antico: nobiltà d’animo, amore per la patria, coraggio, rispetto per gli dei, devozione per la famiglia e umanità. La sua presenza basta a infondere coraggio nei troiani; il suo valore e la sua fama di campione sono sufficienti a incutere terrore nei cuori dei nemici che scappano alla sua vista come davanti a “crudo lïone”:

[…] Finalmente Ettore

scintillante di foco nella folta

precipitossi. Come un’onda

gonfia dal vento assale impetüosa

un veloce naviglio, e tutto il manda

ricoperto di spuma; il vento rugge

orribilmente nelle vele, e trema

ai naviganti il cor, chè dalla morte

non sono divisi che d’un punto solo:

così tremava degli Achivi il petto;

ed Ettore parea crudo lïone

che in prato da palude ampia nudrito

un pingue assalta numeroso armento.[4]

A questa natura di guerriero temibile e inflessibile, Ettore affianca dimostrazioni di affetto e di devozione verso il padre e la patria e di amore verso la sua sposa e il piccolo Astianatte. Come Capitan America, Ettore sente il peso della responsabilità ed è costretto a scegliere tra ciò che è giusto e ciò che è facile, tra famiglia e dovere, tra vita e morte e, come l’eroe della Marvel, alla fine egli deciderà di adempiere al proprio dovere di principe, marito, figlio e guerriero e di sacrificare se stesso per il bene della comunità accantonando i propri interessi.

I passi in cui emerge questo conflitto sono l’ultimo incontro tra Andromaca ed Ettore e nel corso dello scambio di parole tra Ettore e il padre poco prima della caduta dell’eroe:

– O mio diletto, questo tuo coraggio

ti perderà! Né del figliuolo infante

pietà pur senti né di me meschina,

che vedova di te sarò ben presto

chè ben presto gli Achei ti uccideranno

tutti su di te gettandosi! […]

O Ettore, tu padre ora mi sei,

tu dolce madre, tu fratello; e sei

il mio florido sposo! Ora tu dunque

m’abbi pietà! Qui su la torre or resta,

si che render non debba orfano il figlio

e vedova la moglie!-

[…] A lei allor rispondendo disse

Ettore, il grande-agitator-dell’elmo:

– Oh ben questo anche a me pesa sul cuore,

o donna mia! Ma troppo l’onta io temo

delle Troiane dai-prolissi-pepli

e dei Troiani, se in disparte io stessi

come un codardo, fuor dalle battaglie.

Non vuol questo il cuor mio, chè sempre appresi

Ad esser prode, a battermi fra i primi,

onde sempre durasse intemerata

l’alta gloria paterna e la gloria mia!-[5]

In un passo successivo, invece, leggiamo:

Ululava , e colle mani

alto levate si battea la fronte il buon vecchio, e chiamava a tutta voce

l’amato figlio supplicandolo: e questi

fermo innazi alle porte altro non ode

che il desio di pugnar col suo nemico.

Allor le palme il misero gli tese

e questi profferì pietosi accenti:

– Mio diletto figliuolo, Ettore mio,

deh lontano da’tuoi da solo a solo

non affrontar costui che di fortezza

d’assai t’è sopra. […]

ei che di tanti

orbo mi fece valorosi figli […]

abbi pietade

di me meschino […]-

E così dicendo,

strappasi il veglio dall’augusto capo

i canuti capei; ma non si piega

l’alma d’Ettorre.[6]

Anche questo secondo appello è destinato a rimanere inascoltato dall’eroe che risponde alla supplica del padre dicendo di preferire la morte sul campo di battaglia a una vita da codardo e affronta il proprio fato certo che il suo nome, il suo coraggio e la sua impresa giungeranno alle orecchie dei posteri.

Enjolras è lo studente che, nel romanzo I miserabili di Victor Hugo, guida l’insurrezione invitando il popolo parigino a sollevarsi contro il re e a erigere barricate per riprendersi la libertà che gli è stata negata. Di lui lo scrittore scrive:

Enjolras era un ragazzo affascinante che poteva diventare terribile. […] natura da sommo sacerdote e da guerriero, assai poco comune in un adolescente. Era a un tempo officiante e militante: dal punto di vista immediato, soldato della democrazia; al di sopra del movimento contemporaneo, sacerdote dell’ideale.[…] Era l’amante marmoreo della libertà.[7]

Queste poche righe sono sufficienti per fissare la personalità di questo ragazzo poco più che adolescente che, malgrado la giovane età e l’irruenza tipica dei vent’anni, consacra tutto se stesso alla difesa della libertà e alla realizzazione di un mondo in cui nessuno debba più soffrire per i soprusi dei potenti, la fame e la violazione dei diritti fondamentali dell’uomo. Ancora di lui viene scritto: “Non aveva che una passione, il diritto, e un pensiero, rovesciare l’ostacolo.”[8]

Enjolras è l’incarnazione del desiderio di Victor Hugo di una Francia, e di un mondo, repubblicana, libera dallo spettro della monarchia e dalla perenne minaccia di un colpo di stato. Come Hugo, il giovane subisce una sorta di persecuzione per via della lealtà che dimostra verso le idee repubblicane: ideale per cui, a rivoluzione fallita, giungerà a dare la vita. Come Capitan America, Enjolras è risoluto e determinato. Tra gli amici dell’ABC egli viene indicato come il “capo” e gli appellativi che Victor Hugo riserva al personaggio si rifanno tutti a grandi guerrieri della mitologia greca e romana o leader della storia francese.

In quel manipolo di studenti universitari egli è colui che, anche a scapito della vita, si imbarca in crociate azzardate in difesa della libertà del popolo francese. Al pari del capitano Rogers egli non ha un’amante e tutto il suo essere, anima e corpo, è votato a un ideale: la patria.

 – […] Ebbene, Enjolras non ha una donna, non è innamorato e trova il modo di essere intrepido. È inaudito che si possa essere freddi come il ghiaccio e arditi come il fuoco. –

Sembrava che Enjolras non ascoltasse, ma se qualcuno gli si fosse stato vicino lo avrebbe udito mormorare sotto voce: Patria.[9]   

L’ultimo personaggio che ho preso in esame appartiene all’universo creato da Tolkien nel suo capolavoro Lord of the Rings. Tra i tanti personaggi che ruotano intorno alla vicenda di Frodo Baggins (il protagonista del romanzo) e dell’anello del potere ve ne è uno che per personalità può essere considerato l’alter ego dello scrittore stesso.

Faramir, figlio di Denethor, capitano di Gondor viene presentato da Tolkien come il personaggio che, insieme alla dama Eowyn, rappresenta il valore e l’incorruttibilità del genere umano davanti alla promessa di una facile ascesa al potere. Mentre gli altri rappresentanti della razza umana a contatto con l’Anello del potere vengono corrotti dal desiderio di possederlo insieme al grande potere che esso racchiude, Faramir non si lascia ingannare e, quando si ritrova tra le mani l’anello e il suo portatore, decide, a dispetto degli ordini e dei desideri del padre, di lasciare andare Frodo e il suo fardello. Se tracciare un quadro di Enjolras è facile grazie alle descrizioni accurate di Hugo, lo stesso non vale per Faramir la cui personalità viene tracciata come una trama, un disegno che si può ammirare nella sua interezza solo accostando le descrizioni e i dialoghi che il personaggio ha con gli altri:

Here was one with an air of high nobility such as Aragorn at times revealed, less high perhaps, yet also less incalculable and remote: one of the Kings of Men born into a later time, but touched with the wisdom and sadness of the Elder Race […]

He was a captain that men would follow, that he would follow, even under the shadow of the black wings.[10]

Al pari di Enjolras, Ettore e Capitan America, Faramir è una guida, una certezza in mezzo agli eventi che scuotono la realtà della Terra di Mezzo e il popolo degli uomini. Il personaggio compare nei capitoli che sono posti al centro del romanzo e ne costituiscono il cuore. Più le forze del male e le tenebre si addensano, tanto più luminose sono le figure che Tolkien pone a difesa del bene, del bello e del buono.

Faramir rappresenta per gli uomini di Gondor non solo una certezza militare, ma quella speranza che accende gli animi dei guerrieri e li invita a non cedere davanti al nemico e a continuare la battaglia. La sua sola presenza è sufficiente per richiamare al dovere gli uomini che non esitano a seguirlo in campo aperto contro le armate nemiche: 

Ever your desire is to appear lordly and generous as a king of old, gracious, gentle. That may well befit one of high race, if he sits in power and peace. But in desperate hours gentleness may be repaid with death.’

‘So be it,’ said Faramir.

‘So be it!’ cried Denethor.[11]

 

Infine, in linea con le figure eroiche già analizzate, il capitando di Gondor si distingue dagli altri umani per la sua moralità incorruttibile e la sua fedeltà cieca e totale agli ideali in cui crede. Egli non teme di affrontare la morte e la accoglie anzi con serenità pur di non essere costretto a rinnegare il suo codice d’onore.

*Jo

Leggi la prima parte

.: NOTE :.

[1] Cfr. http://goodmenproject.com/ethics-values/what-captain-america-means-to-me/ ( 07 -04 – 2014)

[2] Ibid.

[3]  Ibid.

[4] Omero, Iliade, Canto XV, trad. di V. Monti, Itaca, Castel Bolognese, 2004, , versi 604- 612, 623-625, p. 281.

[5]  Ibid, Canto VI, versi 407 – 432, 440- 446,  pp. 114-115

[6]  Ibid., Canto XXII, versi 40 – 55, 73-74, 100-104 , pp. 368-370.

[7] Victor Hugo, Les misérables (1862), trad. it. I miserabili, Garzanti Editore, Milano, 1990, pp. 685-686.

[8] Ibid.

[9] Ibid., p.  1275.

[10] J. R R. Tolkien,The Lord of the Rings, Unwin Paperbacks, London, 1968, p 842.

[11] Ibid., p. 844.

Dei ed eroi del XXI secolo – Gli eroi della Marvel protagonisti dell’epica americana (parte 1)

Manca un mese esatto all’uscita di “Captain America – Civil War” e come promesso abbiamo deciso di iniziare una breve rubrica in cui analizzeremo i personaggi che si affronteranno nel prossimo lungometraggio Marvel e di svelare tutti i collegamenti che legano gli eroi di Stan Lee a quelli della letteratura e dell’epica europea. Prima di iniziare vogliamo ringraziare Devyani Berardi che ci ha concesso di pubblicare parte della sua tesi sul nostro sito e ci ha fornito materiale più che valido per la realizzazione di questi articoli.

 1. IMMAGINI DELLA MITOLOGIA AMERICANA: IL CASO DELLA MARVEL

1.1 Mitologia e fumetto: i nuovi eroi combattono tra le pagine degli albi

Per affiancarsi al mondo della mitologia americana dobbiamo per prima cosa stabilire cosa sia la mitologia e quali siano le sue caratteristiche. Il termine mitologia deriva da due parole greche: μύθός (= mythos) e λόγος (= logos); con il primo termine viene indicato un racconto favolistico, a carattere sacro, che ha per protagonisti dei ed eroi, mentre il termine “logos” indica non solo la parola ma, in un senso più ampio,  un discorso o un racconto che vale la pena raccontare.

Un’ulteriore distinzione deve essere fatta tra “leggenda” e “mito” in quanto essi si riferiscono a due tipi di racconto diversi tra loro. La leggenda è il racconto ispirato a un avvenimento realmente accaduto che, nel corso dei secoli, ha assunto connotati fiabeschi o di fantasia. La vicenda di re Artù e i cicli a lui ispirati sono leggende in quanto uniscono elementi di fantasia – draghi, maghi e incantesimi – a personaggi storici realmente esistiti. Un mito, al contrario, non ha riscontri storici e la sua natura è completamente fittizia.

Vediamo ora quale sia il processo che trasforma una storia in mito o leggenda. Per prima cosa bisogna dire che miti e leggende appartengono a un determinato tipo di narrazione e come tali devono possedere e rispettare determinate caratteristiche. Questi tipi di racconti sono nati come forma di intrattenimento che si divideva, fondamentalmente, in due momenti: uno ludico e uno didattico; per far sì che tutta l’assemblea ne capisse la morale, il linguaggio doveva essere semplice e incisivo e poteva avvalersi di formule che si imprimevano nella mente di chi ascoltava. I miti e le leggende trattavano, e trattano, dei problemi di tutti i giorni davanti a cui l’uomo si sente disarmato e impotente e offrono soluzioni spingendo chi ascolta a riflettere su determinati problemi. Essi insegnano a distinguere il bene dal male e mostrano quale premio attenda gli eroi che agiscono virtuosamente e la pena per chi si comporta slealmente o tenta di sovvertire l’ordine divino delle cose.

Sono emblematici in questo senso i racconti della mitologia Norrena che descrive come agli eroi gloriosamente caduti in battaglia spetti un’eternità di agi e banchetti nel Valhalla, mentre i morti con disonore siano condannati ai tormenti di Hel, l’inferno norreno che vanta tra i suoi prigionieri il più depravato degli dei, Loki. Ovviamente a questi elementi si affiancava la popolarità di queste storie che venivano raccontate, o meglio, cantate dagli aedi nelle agorà o nelle case dei nobili.

Oggi come allora l’uomo ha bisogno di miti, divinità ed eroi a cui guardare e da cui prendere esempio e, nel XXI secolo come duemila anni fa, i fattori che portano alla nascita di un mito non sono cambiati. Benché ci si sia allontanati parecchio dall’idea originaria, i nuovi miti della nostra società sono resi tali dagli stessi elementi che hanno garantito l’immortalità a personaggi come Ercole o Elena.

Caratteristiche eccezionali o innati talenti, storie sfortunate ma con la possibilità di un riscatto, successo e la morte, tragica o misteriosa, sono gli elementi che fissano nei cuori e nelle menti delle persone nomi e volti dando vita a un nuovo panteon di leggende che, oggi come allora, i mass media rendono permanente diffondendo  in tutto il mondo le storie e le imprese di questi nuovi “eroi”.[1]

Ma parlare nel 21° secolo di mitologia, eroi e leggende ha ancora senso? Perché tanta preoccupazione nel dare anche all’America una sua epica? Nel 1963 il filologo inglese Eric Havelock[2] definì “enciclopedia tribale” i due poemi scritti da Omero, in quanto tra le pagine dell’Iliade e dell’Odissea si trovano informazioni sugli usi e i costumi, le tecniche agricole e militari e le credenze del periodo classico. Non si può quindi pensare alla mitologia come a un semplice genere letterario: chi esplora questo universo entra in contatto con l’essenza di una nazione e ne carpisce, in modo il più delle volte incosciente, i segreti. Possiamo quindi paragonare la mitologia all’archivio di un popolo senza il quale sarebbe impossibile recuperare dati, luoghi, nomi ed eventi: senza di essa, infatti, questi sarebbero cancellati dall’avvicendarsi dei secoli.

In America questa banca dati è costituita in parte dai fumetti e dalle avventure dei supereroi. Le vicende di Spiderman, Iron Man, Capitan America e degli Avengers hanno come palcoscenico città americane riconoscibili e gli eventi narrati negli albi si intrecciano con i nomi e gli accadimenti del popolo americano. Un esempio[3] è il dialogo tra il dio del tuono Thor e un abitante di New Orleans rimasto senza casa in seguito all’uragano Katrina che sconvolse l’America nel 2005.

Uno dei canali che ha, fin dal principio, favorito il diffondersi di queste nuove saghe mitologiche e dei rispettivi eroi è il fumetto. Bisogna innanzitutto capire quale sia il ruolo del fumetto nella società americana e come venga concepito questo genere di lettura. Se in Italia ha cominciato solo di recente a farsi largo l’idea del fumetto come uno strumento pedagogico o comunque capace di veicolare messaggi e informazioni,  negli Stati Uniti d’America questa funzione è nota da tempo e non di rado i personaggi dei fumetti vengono usati per la propaganda e per veicolare messaggi politici.

Esemplare è in questo senso la serie di tavole, corto e lungo metraggi[4] che la Disney realizzò durante la seconda guerra mondiale in cui vengono mostrati i personaggi amati dai bambini intenti a difendere la nazione americana dal pericolo delle dittature, la negatività di sistemi autocratici come il nazismo o ancora ad invitarli a una maggior coscienza civile.

È a tal proposito esemplare il cartone animato Bert the Turtle, realizzato nel 1951 dal Ministero della Difesa americano. Nel cortometraggio scorrono video girati nelle scuole, nelle città o nelle campagne americane; e spezzoni di un cartone animato che mostra le avventure di Bert la Tartaruga e la sua infallibile tecnica per difendersi dai pericoli. Per tutta la durata del cartone animato si sente in sottofondo un jingle che ripete “duck and cover”: “accovacciati e riparati”.

Agli studenti di tutte le età veniva insegnato, attraverso la proiezione nelle scuole di questo cartoon, come reagire in caso di esplosione di una bomba atomica e quali fossero i comportamenti sicuri nel caso in cui l’attacco si verificasse a scuola, per strada, in città o in campagna.

1.2 Simboli: immagini e formule della mitologia americana.

Nel suo libro Il grande cerchio, un viaggio nell’immaginario americano Ilaria Moschini spiega ed elenca le immagini, le forme e le formule che, da prima del 1492, hanno caratterizzato l’America per poi diventare parte integrante del suo immaginario. La terra promessa, la città sulla collina, la porta d’oro e il faro sono solo alcuni dei simboli che costituiscono l’iconografia americana. Essendo nata dalla miscellanea di tanti popoli diversi la cultura statunitense ha adottato immagini universali rielaborandole per dar loro un significato “americano”.

Per quanto interessante sia l’analisi della simbologia, per motivi di tempo e di spazio mi limiterò ad analizzare quelle che, a mio parere, sono le icone più importanti e interessanti. In particolare mi soffermerò su:

– La luce e nello specifico l’immagine del faro;

–  La città sulla collina;

–  Il volo e l’aquila.

La luce, con le sue manifestazioni, è l’immagine che ha solleticato maggiormente la fantasia del popolo americano. Discorsi politici, segni[5], immagini e edifici sono stati fatti ricalcando l’idea originaria dell’America, e nello specifico del popolo americano, quale nazione illuminata, benedetta da Dio, e destinata a estendere la propria luce agli altri popoli. Con gli anni però l’idea della luce ha trovato nuove declinazioni tra cui quella del beacon, il faro, che in età moderna e contemporanea si è evoluto nell’immagine del grattacielo: la costruzione che per antonomasia rimanda alle grandi metropoli degli Stati Uniti d’America:“we are the brightest beacon for freedom and opportunity in the world […] and no one will keep this light from shining.”[6]

Questa immagine del faro è stata reiterata non solo in discorsi politici, campagne pubblicitarie o elettorali, ma è stata ampliamente utilizzata anche dal cinema che ha creato manifesti, slogan, e trailer cinematografici in cui compare, fisicamente o idealmente, la figura del beacon.

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Tra gli ultimi ad avere impiegato questa immagine è il lungometraggio The Hunger Games, Catching Fire (Francis Lawrence, 2013) dove viene detto, parlando della protagonista femminile, “she has become a beacon of hope”[7].

La Lionsgate, la casa cinematografica che ha prodotto il film, ha inoltre creato una serie di poster e locandine in cui viene associata al nome dell’eroina Katniss la formula ‘beacon of hope’.

Quella della luce, e delle sue declinazioni, è un’immagine che ha fin da sempre stuzzicato la fantasia dell’uomo assumendo connotati simili da una cultura all’altra: “Essa è simbolo universale della divinità e dell’elemento spirituale che, dopo il caos dell’oscurità originaria, attraversò il Tutto, ricacciando nei loro confini le tenebre.”[8]

Dai Vangeli ai canti liturgici di Babilonia, dalla dottrina buddista alla simbologia massonica, la luce è la manifestazione del divino e del bene che sconfigge le tenebre e, nel caso dell’America, essa incarna il compito del popolo americano di liberare le altre nazioni dal giogo della tirannia.

Questo impegno, che ha più i connotati di un ordine morale che di una missione, viene riassunto nel concetto di “manifest destiny”, che oggi  si traduce nell’obbligo, che gli Stati Uniti sentono di avere, di intervenire per ristabilire su scala mondiale i principi – espressi nella Dichiarazione d’Indipendenza – della libertà, della democrazia e dell’uguaglianza nonché il diritto naturale alla felicità e all’autoaffermazione, riportando la luce laddove la tirannia e l’egoismo hanno avuto il sopravvento.

Un’immagine che si collega alla luce e al faro è quella della “città sulla collina”, di origine biblica:

[…] non può restare nascosta una città che sta sopra un monte, né si accende una lampada per metterla sotto il moggio, ma sul candelabro, e così fa luce a tutti quelli che sono nella casa. Così risplenda la vostra luce davanti agli uomini, perché vedano le vostre opere buone e rendano gloria al Padre vostro che è nei cieli.[9]

Questo passo del Vangelo di Matteo ci è utile per capire il legame che unisce il beacon alla city upon the hill. La montagna, la collina e, in un senso più vasto, le altezze “sono il luogo in cui la terra si alza, si solleva, si tende verso il cielo […] in cui la divinità scende e incontra l’uomo. (La montagna , o nel nostro caso la collina) è la scala favolosa che offre (all’uomo) un inizio di realizzazione ai suoi sogni”[10].

Nell’immaginario collettivo americano la città costruita sopra la collina è la realizzazione della Gerusalemme Celeste: il culmine della dottrina puritana che faceva coincidere con la ricostruzione della Città Santa l’inizio di una nuova era in cui il popolo americano si sarebbe posto come guida morale, spirituale e politica per il mondo intero.

Come per il faro, questa immagine è stata più e più volte reiterata nei discorsi dei politici:

[…] For we must consider that we shall be as a city upon the hill, the eyes of all people are upon us; […] .[11]

[…] I’ve spoken of the shining city all my political life, but I don’t know if I ever quite communicated what I saw when I said it. But in my mind it was a tall proud city built on rocks stronger than oceans, wind-swept, God-blessed, and teeming with people of all kinds living in harmony and peace, a city with free ports that hummed with commerce and creativity, and if there had to be city walls, the walls had doors and the doors were open to anyone with the will and the heart to get here.[12]

In questo discorso di Reagan del 1984 è lampante l’immagine che l’America ha di sé quale società forte, splendente davanti al resto del mondo (un altro richiamo al beacon), salda davanti alle forze della natura e, cosa più importante, benedetta da Dio. Un luogo in cui si realizzano i sogni e le speranze non solo di una nazione, ma anche di tutti coloro che hanno la “volontà e il cuore di entrare (per le sue porte)”[13].

La città sulla collina, luogo sviluppatosi sotto lo sguardo paterno e benedicente di Dio, nutrito dalla fede, dai sogni, dalle speranze e dall’inventiva del popolo americano, è l’unico luogo in cui si può realizzare l’american dream: il concetto che, insieme al manifest destiny a cui abbiamo già accennato, costituisce il binomio su cui si fonda l’immaginario collettivo statunitense.

L’ultima, ma non per questo la meno importante, immagine che analizzerò sarà quella dell’aquila e del volo. Quando si pensa agli Stati Uniti d’America una delle immagini che subito cattura la nostra immaginazione è l’aquila: la regina incontrastata dei cieli e delle foreste americane, il volatile che non teme di attaccare anche animali più grossi come i puma o i lupi.

Quella dell’aquila, come la luce, è una delle immagini che costituisce l’humus dell’immaginario umano, essendo diffuso più o meno in tutto il pianeta; non esiste popolo che non sia rimasto incantato dalla sua maestosità di questo volatile e non gli abbia riservato un posto nella sua iconografia.

Molte sono le culture che rintracciano un legame tra questo animale e la luce: nei bestiari medioevali si diceva che l’aquila di volare verso il sole senza dover chiudere gli occhi, altre tradizioni la identificano con il sole e come il simbolo della vittoria della luce sulle tenebre e del bene sul male, l’evangelista Giovanni apre il suo Vangelo parlando della Luce che viene nel mondo e la tradizione cristiana abbina al santo l’aquila.

L’aquila è inoltre il simbolo di Giove, padre degli dei, e le insegne imperiali erano costituite da un’aquila ad ali spiegate. Essa è immagine di Cristo risorto e della nobiltà: nel 1688 lo storico dell’araldica A.G. Böckler mise in relazione le parole tedesche adler (= aquila) e adel  (=nobiltà) affermando che dall’aquila imperiale derivava il prestigio del popolo tedesco.

Presso i nativi americani l’aquila aveva un significato importante, infatti essa veniva identificata con il sole che era non solo fonte di luce, ma anche di vita. La religione sciamanica degli indiani d’America considerava l’aquila un animale protettore che, appollaiato sui rami degli alberi, vegliava e si poneva come un rimedio contro tutti i mali.

Il volo dell’aquila, poi, evocava il volo sciamanico e le esperienze estatiche che uno stregone, nel corso della sua vita, compiva per avvicinarsi ed entrare nel mondo degli spiriti. Presso i Paviotso vi era l’usanza di toccare il capo di un malato con un bastone a cui era attaccata una piuma che, lo sciamano del villaggio, aveva personalmente tolto all’aquila. L’aquila simboleggia la libertà, l’indipendenza nonché la potenza e l’attitudine alle armi, connotati che riconducono ai valori e alle eccellenze della nazione americana.

La bandiera del Messico e alcune monete rinvenute ad Agrigento, risalenti al 413 a.C, mostrano un’aquila intenta ad affrontare un serpente o, in alcune versioni, un drago. Questo uccello è quindi il simbolo della lotta contro il male, battaglia che, fin dalla sua nascita, è stata con orgoglio portata avanti dalla nazione americana.

Se pensiamo all’aquila viene naturale pensare al suo planare elegante e all’idea del volo. Il volo è da sempre l’espressione della libertà e della volontà di superare i propri limiti. Avendo dato i natali ai fratelli Wright l’America ha spezzato quel limite che teneva l’uomo incollato a terra.

Tra gli eroi del vecchio mondo nessun mortale aveva mai spiccato il volo e gli unici che ci provarono, Bellerofronte e Icaro, vennero puniti con la morte[14]. Gli eroi, o per meglio dire, i supereroi del Nuovo Mondo hanno invece tra le loro peculiarità il volo. Che sia grazie a mutazioni genetiche, gioielli della tecnologia o perché progenie di un altro pianeta, i supereroi dei comics americani vivono le loro avventure tra il cielo e la terra, tra i marciapiedi e lo skyline delle metropoli americane segnando in modo netto il punto di rottura con quegli eroi figli di una tradizione vecchia e ormai dimenticata.

*Jo

.: NOTE :.

[1] Eroe: […] nel mito classico, uomo nato da una divinità e da un mortale, dotato di eccezionali virtù e autore di gesta leggendarie.  (cfr. Il grande dizionario Garzanti della lingua italiana).

[2]  Tullio Avoledo, “Dall’Odissea ai fumetti, La necessità dell’epica, Dal racconto della società alle tendenze culturali ecco come una striscia spiega la complessità dei tempi”, Il Corriere della sera, 18 novembre 2013,  pp. 24 -25.

http://comunicazionetestuale.wordpress.com/intro/havelock/ Vedi anche ( 4 – 12 – 2013).

http://en.wikipedia.org/wiki/Eric_A._Havelock Vedi anche  ( 4 – 12 – 2013).

[3] http://ilparere.net/2011/12/23/rubriche/roba-da-ragazzi/la-mitologia-moderna-del-fumetto/ Vedi anche (5 -12 -2013).

[4] Per approfondire si vada a: http://www.skewsme.com/disney_propaganda.html#axzz2mYNJRgBZ Vedi anche (5 -12 -2013).

[5] Si pensi ai due raggi di luce che, l’11 settembre del 2004 in occasione del Patriot Day, illuminarono la notte newyorkese in omaggio alle vittime del World Trade Center.

[6] Statement by the president in his Address to the Nation.

http://www.whitehouse.gov/news/releases/2001/09/20010911-16.html Vedi anche  (5 -12 -2013).

[7] http://www.youtube.com/watch?v=3lTebQWbNIQ  Vedi anche  (5 -12 -2013).

[8]  Hans Biederman, Knaurs Lexicon der Symbole, (1989), trad. it. Enciclopedia dei Simboli, Garzanti, Milano, 1999, p. 274.

[9] Cfr. Mt 5,14-16

http://www.lachiesa.it/bibbia.php?ricerca=citazione&Citazione=Mt+5&Cerca=Cerca&Versione_CEI2008=3&VersettoOn=1 Vedi anche  (6- 12- 2013).

[10] Cfr. De Champeaux Gérard, Dom Sebastien Sterckx, I simboli del medioevo ( Introduction au monde des symboles,  Zodiaque, St. Léger Vauban, Francia, 1972.) editoriale Jaca Book Spa, Milano, 1981. p. 188.

[11]  http://religiousfreedom.lib.virginia.edu/sacred/charity.html Vedi anche  (6- 12- 2013).

[12] http://en.wikipedia.org/wiki/City_upon_a_Hill Vedi anche ( 7 -12 – 2013).

[13] Ibid.

[14]Cfr. Gislon Mary, Palazzi Rosetta, Dizionario di mitologia e dell’antichità classica, Zanichelli, Bologna, 1997,

  1. 67 – 227.