L’altra metà ~ Streaming and Pajamas

.: TRAMA :.

La geniale ma squattrinata Ellie Chu scrive una lettera d’amore per conto di un atleta, ma non si aspetta di diventare sua amica, né d’innamorarsi della stessa ragazza.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

L’altra metà, film della regista Alice Wu, è una rivisitazione in chiave contemporanea, adolescenziale e queer del Cyrano de Bergerac di Rostand.

La trama riprende quasi completamente quella dell’opera teatrale e le modifiche, poche e comunque ben congeniali, si adatto alla narrazione perfettamente. In questo caso, Cyrano è Ellie Chu (Leah Lewis) una ragazzina di origini cinesi che vive assieme al padre, rimasto ormai vedovo, in una cittadina un po’ all’antica. Siccome i due faticano a sbarcare il lunario, Ellie decide di aiutare un compagno di scuola, Paul (Daniel Diemer), a scrivere una lettera d’amore per una ragazza di nome Aster (Alexxis Lemire) dietro modico compenso.
La situazione costringerà Ellie a fare i conti con sentimenti che, fino a quel momento, ha tenuto nascosti non solo al mondo ma soprattutto a se stessa: si innamorerà, o forse era già innamorata fin dall’inizio pur non riuscendo ad ammetterlo, anche lei di Aster.

L’altra metà, però, non è solo una storia d’amore: è un film di formazione in cui malinconia, solitudine, speranza, amicizia e amore si mescolano perfettamente creando una pellicola che ha tutte le potenzialità per diventare un vero e proprio capolavoro.
La crescita di Ellie è lenta, ricca di alti e bassi e caratterizzata da un forte conflitto interiore. Nonostante questo, la protagonista non risulta mai esagerata: le sue azioni, così come le sue reazioni, sono comprensibili, umane e terribilmente vere.
Ellie deve accettarsi e farsi accettare; deve imparare ad amare e a voler bene senza pregiudizi. In questo caso la figura di Paul diventa di vitale importanza: inizialmente Ellie vede il ragazzo come uno dei tanti, che lei ritiene stupidi e inetti, che frequentano la sua scuola ma, ascoltandolo e imparando a conoscerlo, comprende che c’è di più. Quando Ellie accetta Paul così com’è e riesce a diventare sua amica, allora è in grado di accettare anche se stessa e fare il grande passo: coming-out.

Alice Wu riesce a tratteggiare con delicatezza anche i sentimenti più complicati che, grazie all’ottima recitazione dei giovani protagonisti, arrivano fino allo spettatore in tutta la loro purezza. Il sentimento d’amore descritto da Alice Wu è universale e va ben al di là dell’attrazione fisica o mentale: è qualcosa che chiunque può provare e nessuno, vedendo il film, non si sentirà almeno un pochino come Ellie Chu.
Prima di concludere vorrei spendere qualche parola sul titolo del film che, secondo me, ha due possibili interpretazioni. La prima, forse quella più scontata, è una richiesta: la regista chiede allo spettatore di guardare sempre l’altra metà ci ciascuna situazione, di ogni persona. La seconda, più complicata, sembra voler richiamare la favola delle anime gemelle descritta da Platone nel Simposio. Platone dice che uomini e donne, un tempo, erano attaccati alla loro anima gemella per la schiena ed erano esseri così perfetti da aver scatenato la gelosia degli dei che li hanno divisi costringendoli alla perenne ricerca di quella creatura in grado di completarli.
Ellie è alla ricerca della sua altra metà, la troverà prima ancora che in Aster nell’accettazione di se stessa.
Credo sia un film che valga davvero la pena di essere visto, che tratteggia l’amore omosessuale con tenerezza e con il rispetto tipico di chi ha provato quelle stesse sensazioni sulla propria pelle.

*Volpe

Cyrano ~ Streaming and Pajamas

.: SINOSSI :.

La storia della vita di Cyrano de Bergerac, romanziere e drammaturgo francese del XVII secolo. L’uomo era convinto che il suo aspetto non lo avrebbe aiutato a conquistare la bella Roxanne, innamorata di qualcun altro.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Dopo capolavori, osannati sia dalla critica sia dagli spettatori, come Orgoglio e Pregiudizio, Anna Karenina, Espiazione e L’Ora più buia, Joe Wright torna al cinema con una nuovo adattamento destinato, a mio parere, alla stessa fama dei precedenti.
Cyrano è, appunto, l’adattamento cinematografico dell’omonima opera teatrale di Edmond Rostand, sebbene il regista si sia preso la libertà di apportare alcune piccole modifiche che hanno reso la pellicola più adatta ai nostri tempi.
Il cambiamento più grande si ha proprio sul protagonista: il Cyrano di Wright, infatti, non ha il nasone, ma è affetto da nanismo. La scelta è, complice l’ottima interpretazione di Peter Dinklage (Tyrion Lannister ne Il trono di spade), assolutamente vincente perché costringe lo spettatore a riflettere sui concetti di bellezza e dignità dando un nuovo sapore all’opera di Rostand.

Altro cambiamento di cui bisogna assolutamente parlare è la decisione di rendere il testo teatrale di Rostand un film musicale. Molti lungometraggi di Wright risentono del suo amore per la musica e per il teatro, tanto che spesso i personaggi sembrano muoversi e danzare a ritmo di una colonna sonora nascosta allo spettatore.
In questo caso, la musica è davvero presente e talvolta conquista la scena imponendo ai personaggi di abbandonare la dimensione del reale per entrare in una spettacolare e onirica coreografia. Gli attori, ottimi cantanti, e le comparse, meravigliosi ballerini, non fanno minimamente pesare il cambiamento che risulta naturale. Unica pecca è che non c’è una canzone che sia davvero memorabile e che resti in testa allo spettatore.

Come dicevo, gli attori hanno fatto un ottimo lavoro e hanno interpretato magistralmente i personaggi a loro affidati. Personalmente amo molto l’opera Cyrano (forse perché il mio nome, Rossana, viene proprio da qui? Chi lo sa) e ne ho viste molte interpretazioni. Tra tutti, il Cyrano di Dinklage è tra i miei preferiti in assoluto: ha reso benissimo quanto la supponenza del personaggio non sia altro che una maschera alle sue moltissime insicurezze. Allo stesso modo, Haley Bennett interpreta una splendida Rossana dando nuova vita e nuovo spessore ai desideri d’amore di una ragazza che, sicura di ciò che vuole (come viene evidenziato bene dalla canzone “I need more“), non si accontenta mai di quello che la vita le dà ma combatte per quello che vuole.
La trama non si discodta minimamente da quella dell’opera teatrale ma la bravura di Harrison (Cristiano) e Dinklage dona nuovo spessore e profondità al rapporto che lega i due personaggi. Qui non sono solo entrambi innamorati della stessa donna: si vede proprio che sono amici e questo rende ancora più tragica la vicenda.

Girato in Sicilia, il film mostra paesaggi stupendi in cui lo spettatore può perdersi e sognare. Allo stesso modo, i costumi, il trucco e le acconciature mi sono sembrate abbastanza fedeli al tempo che vogliono raccontare.
Come avrete capito, a me il film è piaciuto moltissimo: lo consiglio a chi è curioso di conoscere l’opera Cyrano ma ha paura ad approcciarsi alla sua versione teatrale o allo scritto.

*Volpe

Storie della liberazione: quattro film sulla resistenza italiana

25 aprile, Festa della Liberazione: un appuntamento per cui ogni anno ci prepariamo guardando film e leggendo libri a tema, pronte a ricordare chi ha lottato e dato la vita per donarci una Italia libera.
Le considerazioni sarebbero molte e il tempo, invece, è sempre troppo poco: per non banalizzare un argomento che ci sta a cuore, finiamo sempre per lasciare che siano altri, più competenti, a parlare per noi.
Se gli scorsi anni vi abbiamo consigliato la lettura di libri come La Gabriella in bicicletta di Tina Anselmi e La macchina del vento di Wu Ming, quest’anno vogliamo che siano i film ad aiutarvi nella vostra personale riflessione.
Per questo, abbiamo scelto quattro film che ci sono piaciuti e, soprattutto, che ci hanno lasciato qualcosa.

Paisà (1946)
Attraverso sei episodi distinti ed indipendenti uno dall’altro, il film rievoca l’avanzata delle truppe alleate in Italia. Si inizia con un episodio dello sbarco in Sicilia, dove una ragazza e un soldato americano vedono troncare sul nascere la loro storia d’amore. Segue una scena a Napoli, protagonisti un soldato afroamericano e un bambino, che deruba il militare. Il soldato, inseguendo il bambino, scopre la vita misera che conduce con la famiglia e decide di non denunciarlo. Il terzo episodio si svolge a Roma, dove un soldato si incontra con una prostituta, raccontandole di una ragazza che aveva conosciuto tempo prima. L’uomo non sa che quella giovane di cui serba il ricordo è proprio lei. Il quarto rievoca le drammatiche giornate della liberazione di Firenze, dove una donna cerca un suo amico pittore, ora capo partigiano. Il quinto si svolge in Romagna nella riposante quiete di un piccolo convento sulla linea gotica sconvolto dagli eventi. L’ultimo, ambientato nel Delta del Po esalta la coraggiosa opera di partigiani italiani nelle paludi della Valle padana.

Il sangue dei vinti (2008)
Storia di una famiglia lacerata dalle divisioni politiche verso la fine della II Guerra Mondiale. Il poliziotto Francesco Dogliani, confidente nello Stato e nella giustizia e fedele al Re, cerca di risolvere un caso di omicidio, avvenuto durante il bombardamento dello scalo di San Lorenzo, in cui ha trovato la morte una giovane prostituta, madre di una bambina. Nel frattempo il fratello di Dogliani, Ettore, si aggrega alle brigate partigiane mentre sua sorella, Lucia, entra a far parte della milizia della Repubblica di Salò. Le fasi concitate e sanguinose della Liberazione segneranno profondamente le esistenze di tutti i protagonisti.

Una questione privata (2017)
Impegnato nelle lotte della resistenza italiana, Milton (giovane partigiano durante la Seconda guerra mondiale) perde le tracce di Fulvia, la donna di cui è follemente innamorato.
Tornato nella villa dove aveva conosciuto la sua dolce metà, il partigiano scopre grazie alla custode un tremendo segreto: forse Fulvia ora è innamorata di Giorgio, affiliato alla resistenza nonché suo migliore amico. Sullo sfondo delle guerre partigiane nel territorio nebbioso delle verdi Langhe, Milton intraprende un coraggioso viaggio non solo per ricevere spiegazioni da Giorgio e incontrare il suo amore, ma anche per ritrovare se stesso.

Freaks Out (2021)
Siamo nel 1943, a Roma, proprio nel bel mezzo della Seconda guerra mondiale e nell’anno in cui la Capitale è scenario di bombardamenti tra nazisti e Alleati.
I quattro lavorano in un circo, gestito da Israel, che per loro- più che un capo – è una sorta di figura paterna. Quando quest’ultimo cerca di trovare una via di fuga che li porti lontano dal conflitto, scompare misteriosamente, lasciando i quattro soli e senza alcuna prospettiva. Matilde, Cencio, Fulvio e Mario si ritrovano improvvisamente senza quello che avevano prima, un circo che era sinonimo di famiglia e sicurezza. Senza Israel, senza il tendone sono soltanto dei fenomeni da baraccone privi di uno scopo nella vita, bloccati nella Città eterna, che inizia a crollare sotto i duri colpi bellici.

A favore della libertà, ora e sempre.
*Jo&Volpe

La leggenda di Vox Machina ~ Streaming and Pijamas

.: TRAMA :.

Sono chiassosi, sgangherati, sbandati reinventatisi mercenari. I Vox Machina sono più interessati ai soldi facili e alla birra scadente che a proteggere il reame. Ma quando il male minaccia il regno, i membri della banda capiscono di essere gli unici in grado di ristabilire la giustizia.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Come molti altri appassionati di Critical Role, forse il più celebre podcast a tema giochi di ruolo, aspettavo con ansia l’uscita di La leggenda di Vox Machina fin dal primo momento in cui era stata annunciata.
Per fortuna, l’attesa è stata ripagata da una serie tv ottima sia nelle sue componenti audio visive sia nell’adattamento della trama, compito decisamente non facile considerata l’ampiezza del materiale originale.

Non bisogna essere appassionati di giochi di ruolo per apprezzare La leggenda di Vox Machina, né essere assidui ascoltatori di Critical Role. La serie è fruibile da tutti coloro che amano l’avventura, tanti colpi di scena, tensione drammatica, comicità e azione. Si deve tenere conto, però, che è un programma televisivo per adulti in cui non mancano scene di violenza, nudità e parole volgari.
Gli archi narrativi selezionati sono due, ma il principale è sicuramente quello che vede il gruppo di mercenari chiamato appunto “Vox Machina” alle prese con Lord e Lady Briarwood, signori di Whitestone e vecchie conoscenze di uno dei membri del gruppo. L’adattamento al mini schermo è molto buono: sebbene non ci si possa aspettare che episodi lunghi meno di mezz’ora abbiano la stessa profondità che si trova in una webserie di quattrocento ore, non sembra mancare niente. I personaggi sono completi e complessi, nonostante a volte tendano a scivolare nello stereotipo; la narrazione è sostenuta da un buon ritmo che alterna momenti tesi ad altri più comici e parodistici lasciando comunque il giusto spazio allo sviluppo dei sentimenti dei protagonisti.
E’ una storia che, oltre a parlare di magia e avventura, parla di amicizia. E’ un’amicizia profonda e adulta quella che lega i membri del gruppo: pur con le loro diversità si sopportano e si supportano vicendevolmente anche nelle situazioni più macabre e tese.
La comicità di La leggenda di Vox Machina è caotica e senza freni: battute spinte, giochi di parole, incomprensioni e una grande quantità di comicità fisica (tra le più difficili da realizzare in una serie animata) creano una atmosfera frizzante dove anche i momenti più drammatici ed eroici possono essere interrotti dalle situazioni più grottesche e i personaggi non ci penseranno due volte a sottolineare l’ironia della cosa.

A mio avviso, è una serie che vale la pena vedere. Merita, dal mio punto di vista, un voto molto positivo: 9/10. Visivamente si tratta di un prodotto che cattura l’occhio: i disegni sono interessanti e le animazioni, per quanto sia una vera e propria profana, mi sembrano molto buone e “pulite”. Non ci sono, insomma, scatti fastidiosi o scene che risultano poco fluide. Inoltre, ciascun personaggio è caratterizzato da movenze precise e un codice colore personale: entrambe le caratteristiche aiutano ad affezionarsi più facilmente a loro e a creare delle associazioni tra le diverse personalità e i ruoli che i personaggi interpretano all’interno del gruppo e della narrazione.
Ancora la colonna sonora, che riprende spesso e in diverse varianti “Your turn to roll” ossia una canzone composta dagli stessi interpreti originali, è adatta alla storia raccontata e aiuta a ingaggiare e trattenere lo spettatore.
Per farla breve: mi è piaciuta molto, mi ha intrattenuta e aspettavo volentieri e con ansia gli episodi in uscita settimana dopo settimana. Ora non vedo l’ora che esca la seconda stagione!

*Volpe

Encanto diventerà il nuovo Frozen?

A circa due mesi dalla sua uscita al cinema e sulla piattaforma Disney+, Encanto resta sulla cresta dell’onda confermandosi come un successo e restituendo un po’ di notorietà alla Disney (non Pixar ndr) reduce, tra live action e storie con più buchi di uno scolapasta, da un periodo tutt’altro che florido.
Naufragate definitivamente le speranze di un ritorno all’animazione tradizionale, Encanto riesce ugualmente a convincere e ad appassionare conquistando grandi e piccini grazie ad un approfondimento psicologico e una trama capaci di coinvolgere tutti; cosa che, per esempio, non è riuscita con Raya e l’ultimo drago e solo parzialmente con i due capitoli di Frozen.

Volenti o nolenti, tutti conoscono (almeno a grandi linee) la trama di Encanto ma, per fugare ogni dubbio, la riproponiamo brevemente.
Mirabel Madrigal, la protagonista, è l’unica della sua famiglia a non avere un talento (=un potere magico) e per questo si considera, ed è considerata, la pecora nera della famiglia. Quando qualcosa minaccia il miracolo (la fonte dei poteri della famiglia Madrigal), Mirabel decide di indagare e di salvare il miracolo sperando, in cambio, di ottenere finalmente a sua volta il proprio talento.

A differenza della maggior parte dei film Disney (dove l’attenzione si concentra sul legame tra due massimo tre personaggi) Encanto è un arazzo dove ogni personaggio risulta necessario senza essere indispensabile: tutti i membri della famiglia Madrigal hanno una loro caratterizzazione che riesce ad emergere a prescindere dal tempo che trascorrono in scena.

A capo della famiglia Madrigal c’è Alma Abuela” (= nonna) Madrigal: una donna spigolosa come il suo profilo. Abuela non è esattamente la nonna che passa le caramelle ai nipoti all’insaputa dei genitori, al contrario è una donna con un forte senso del dovere, che preferisce le certezze alle sorprese e che riversa sul resto della sua famiglia quel che traborda delle altissime aspettative che ha, prima di tutto, verso se stessa.
Controcanto di Abuela è Mirabel: un’adolscente come tutte le altre, letteralmente dal momento che non ha poteri magici, che sprizza energia e creatività da ogni poro e che vuole dimostrare alla nonna, prima che a se stessa, che anche senza talenti anche lei è capace di fare qualcosa di bello e di buono per gli altri. Empatizzare con Mirabel è naturale per via della sua caratterizzazione umana: da “vera” adolescente; a differenza dei protagonisti a cui non solo la Disney ci ha abituato, e che abbondano per esempio nella letteratura per i giovani adulti, Mirabel non ha bisogno di affrontare pericoli e avventure, e l’unica sfida che affronta (con successo a differenza di altri personaggi adulti del lungometraggio) è quella che la porta a scoprire, comprendere ed amare ciò che si nasconde dietro alle apparenze dei suoi familiari: cominciando dalle sorelle per finire con Abuela stessa.
Trattandosi di un film Disney, introdotti questi due personaggi, dagli altri non ci si aspetta che qualche comparsata occasionale giusto per creare qualche pretesto o riempire i buchi di trama, e invece no: anche i personaggi secondari di Encanto hanno una dignità.
Accanto a Mirabel troviamo la sua famiglia: Julieta, la madre, che guarisce con il cibo e funge un po’ da “grillo parlante” per il resto della famiglia cercando di mediare, essere la voce della coscienza e l’interprete dei bisogni dei suoi familiari, il padre Augustin (unico altro “normale” insieme al cognato Felix), e le sorelle maggiori Isabela e Luisa.
Isabela è, almeno all’apparenza, la principessa Disney per eccellenza: tutta rosa e fiori (letteralmente dato che il suo vestito è rosa e il suo potere è quello di far sbocciare ogni pianta e fiore), aggraziata e bellissima; è la pupilla di Abuela che spera di poterla presto accasare con un giovane della città di Encanto per garantire alla famiglia una nuova generazione di talenti (cosa che io ho trovato un po’ cringe). Dietro la sua vita apparentemente perfetta, tuttavia, anche Isabela è infelice e si sente prigioniera tanto dei progetti della famiglia su di lei, quanto del suo stesso potere che l’ha ufficialmente consacrata come la “perfettina” di casa essendo, oltretutto, uno dei talenti più vistosi della famiglia.
Luisa, invece, è la sorella di mezzo e ha la forza di Ercole, Maciste e Sansone messi insieme. All’apparenza instancabile e invincibile, anche Luisa ha, come Mirabel scoprirà, delle debolezze che ha soffocato per non deludere le aspettative che la famiglia ha su di lei.
A chiudere il cerchio di questa prima carrellata di Madrigal ci pensa Augustin Madrigal, il padre delle tre ragazze, che, essendo a sua volta un “senzapoteri” come la figlia più piccola è sempre pronto a darle il suo sostegno e a proteggerla da chiunque provi a farle pesare la sua diversità.
Dall’altra parte troviamo Pepa Madrigal (sorella di Julieta e di Bruno) la più emotiva della famiglia al punto da riuscire ad influenzare il meteo con il suo stato d’animo. A differenza di Julieta e Bruno, Pepa replica all’intransigenza della madre con la propria emotività riuscendo, così, a scansare o almeno alleggerire il carico delle aspettative su di lei. Al suo fianco troviamo il marito Felix di nome e di fatto: Felix è un “senzapoteri”, ma non si lascia impensierire da questo impegnato com’è ad essere, in ogni situazione, l’anima della festa.
I figli di Pepa e Felix sono, in ordine, Dolores, Camillio e Antonio. Dolores è la tipica persona che non si sente, non si vede, ma sa comunque sempre tutto sulla famiglia: compito facile quando si ha il superudito come talento, tuttavia Dolores non utilizza questo suo dono per spettegolare o civettare, è anzi molto timida e riservata e condivide solo le informazioni che ritiene possano tornare utili anche al resto della famiglia (spesso non pensando alle conseguenze che queste potrebbero avere).
Camillo è forse il meno abbozzato dei membri della famiglia Madrigal: il suo potere è quello di cambiare forma e assumere le sembianze di chi ha visto almeno una volta di persona. Come il padre sembra essere sempre allegro e pronto allo scherzo e forse per questo, essendo già presente un gallo nel pollaio Madrigal, rischia di passare quasi innoservato.
Antonio è il più piccolo dei Madrigal e, come un principino Disney, ha il dono di parlare con gli animali sfruttando queste sue capacità comunicative per svelare i piani dai quali gli adulti vorrebbero tenerlo fuori. Inizialmente Antonio risente molto delle aspettative da parte del resto della famiglia, la sua cerimonia del talento (un evento a cui partecipa tutto il paese, giusto per non mettere altre pressioni, durante il quale i Madrigal ricevono il loro potere) è la prima dopo quella di Mirabel andata a rotoli e, per questo, tutti guardano a lui come ad una cartina torna sole per sapere se il miracolo è ancora “funzionante”. Antonio è tanto timido ed insicuro con le persone (ad eccezione di Mirabel), quanto spigliato con gli animali: siano essi innocue scimmiette, un feroce leopardo o un serpente.
Non si nomina Bruno! E invece sì, spendiamo due parole anche per Bruno (nome contro cui tanto la Disney quanto la Pixar sembrano accanirsi volentieri). Bruno è il “gemello di mezzo” (se così si può dire) tra Julieta e Pepa e il suo dono è prevedere il futuro. Timido ed introverso, viene spesso frainteso e bistrattato al punto da essere temuto e odiato da tutti che lo considerano un uccello del malaugurio.

Rispetto a Frozen, ultimo film Disney incentrato sulla famiglia e sui rapporti tra i vari membri, Encanto offre allo spettatore una rosa di personaggi per i quali simpatizzare e con i quali immedesimarsi; questa varietà non è un mero espediente per guadagnare pubblico, ma permette al film di trattare tematiche che raramente riescono ad essere sviluppate adeguatamente in un film per bambini.
Se già in Frozen il personaggio di Elsa aveva introdotto l’archetipo di persona insicura e prigioniera del suo ruolo (e del proprio potere), Encanto approfondisce la tematica scendendo ancor più nel dettaglio e svelando quei meccanismi che, spesso inconsapevolemente e senza cattiveria, si instaurano nelle famiglie normali. Luisa rappresenta la figlia (solitamente la maggiore) iper responsabilizzata, che va avanti come un treno senza fermarsi davanti a niente e nessuno per risultare sempre degna della fiducia dei propri cari. Isabela è la pupilla della famiglia quella che, per intenderci, ai pranzi di natale risponde “bene” alla domanda “e il fidanzatino?”, che prende voti altissimi in tutte le materie (se solo non fosse per quel 9 in educazione fisica che le rovina la media!), è brava coi bambini, fa volontariato nel gattile locale ed è stata scelta per rappresentare la scuola ai campionati regionali di nonsisabenecosa. Dietro la sua perfezione, tuttavia, si nasconde (come spesso accade per i/le “ragazz* prodigio” ) una persona costretta a sacrificare tanto per non deludere mai nessuno e che, nel fiore degli anni, comincia a sentire il peso della propria abnegazione.

La varietà e la cura dei personaggi non è l’unico elemento a rendere Encanto un capolavoro dell’animazione.
Rispetto a Raya e l’ultimo drago e i due capitoli di Frozen, graficamente parlando Encanto risulta più maturo e gradevole da guardare. Rispetto ad altri film Disney, le location sono minori e gran parte delle scene si svolgono tra le strade di Encanto o in casa Madrigal; in un primo momento questa povertà di scene può sembrare il frutto di una scelta “al risparmio”, ma (ri)guardando il film è possibile accorgersi di tanti particolari che, probabilmente, non sarebbero stati altrettanto curati avendo da gestire più scenari. Anche la cura dei personaggi è davvero impeccabile; i rami della famiglia Madrigal sono infatti caratterizzati da palette diverse: bluastro/viola per la famiglia di Julieta (con Augustin, Isabela, Luisa e Mirabel), arancione/giallo per quella di Pepa (con Felix, Dolore, Camillo e Antonio), verde per Bruno e viola/magenta per Abuela. Queste distinzioni cromatiche sono necessarie nel momento in cui si hanno tanti personaggi, per lo più imparentati tra loro, in scena, ma non è questo il solo indizio che testimonia la cura messa dalla produzione nella realizzazione dei personaggi. Ogni personaggio ha, infatti, un abbigliamento con dettagli che richiamano il suo potere: l’abito di Isabel è ricoperto di balze e di fiori, quello di Luisa ha un motivo che ricorda dei bilanceri, mentre Mirabel ha un abito con una fantasia estrosa e molto colorata; Dolores ha un decoro simile a delle onde sonore che le fregia il colletto della camiciola, Camillo un poncho con dei camaleonti e Antonio un gilet con diversi animali ricamati sopra. Anche Julieta e Pepa hanno, rispettivamente, un grembiale con diverse varietà di fiori ed erbe medicamentose ricamate sopra e un lungo vestito con un motivo a gocce di pioggia coronato da un ampio colletto che sembra un po’ una nuvola un po’ un sole splendente.

Tuttavia, ciò che davvero colpisce, e conquista, di Encanto è la colonna sonora creata da Lin-Manuel Miranda: compositore del musical Hamilton oltre che delle musiche di Oceania (tit. originale Moana), de Il ritorno di Mary Poppins e voce, in lingua originale, della scimmietta Vivo nell’omonimo lungometraggio.
La colonna sonora di Encanto è un mix di suggestioni latinoamericane che fa venire voglia di mettersi a ballare e cantare. A differenza di altri film Disney, dove solo una o due canzoni riescono a “bucare lo schermo” e ad entrare in testa allo spettatore fino a diventare un tormentone (vi ricordate Let it go? ci siamo capiti); le canzoni di Encanto sono, dalla prima all’ultima, non solo orecchiabili ma coinvolgenti per via del mix ben calibrato tra musica, ritmo e testo che, anche nelle versioni tradotte, non perde il proprio potere. Anche l’animazione ha un ruolo importantissimo: abbandonate le coreografie improbabili e impossibili da realizzare senza un oceano senziente o vagonate di ghiaccio manco fossimo alle olimpiadi invernali; il film propone, per tutte le canzoni, dei balletti facilmente replicabili che sembrano essere stati “ricalcati” da un musical per via della loro coerenza con il brano a cui sono accoppiati (una vera chicca sono le prove fatte da ballerini professionisti per aiutare i disegnatori a creare le animazioni).

Per noi il film, nonostante non sia del tutto privo di nei, ha soddisfatto le aspettative che i vari trailer avevano alimentato. Voi cosa ne pensate? Lo avete visto?

*Jo


Masantonio sezione scomparsi ~ Streaming and Pajamas

.: TRAMA :.
Ogni anno è altissimo il numero di persone che scompare in Italia. E questa è la storia di un uomo incaricato di riportarli a casa, vivi o morti. E il nostro protagonista è il migliore nel ritrovare gli scomparsi, perché è stato uno di loro, anche lui è stato uno scomparso. “Entrare nelle loro vite, provare quello che hanno provato loro e non riuscire più a pensare ad altro.” È così che Elio Masantonio parla del suo lavoro ai colleghi che lavorano con lui ed è qui l’anima del suo personaggio.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Masantonio sezione scomparsi è una serie audace che appassiona, ma non riesce a convincere del tutto. Trasmessa in contemporanea con Euro2020, mossa ardita e forse non tanto strategica, la serie è ambientata a Genova e la scelta di questa location è già di per sé apprezzabile presentando, per una volta, una cornice diversa da quella offerta dalle abusate Roma, Napoli e Milano.
Accusato di essere eccessivamente pesante, Masantonio sezione scomparsi non è un programma per tutti e, episodio dopo episodio, non è difficile indovinare il motivo per cui, a differenza di altri “colleghi televisivi”, il personaggio di Elio Masantonio non riesce ad accattivarsi il favore e la simpatia del pubblico.
Elio è, battute a parte, uno scappato di casa: perennemente in disordine, spettinato e con la barba malfatta; e, caratterialmente parlando, le cose non migliorano. Empatizzare con Elio è difficilissimo, se non addirittura impossibile; i suoi metodi sono rozzi, a volte maleducati, spesso antipatici; ma, se si ha la pazienza di andare oltre alle apparenze, è facile intuire quali siano le ragioni che spingono il protagonista ad agire in un determinato modo.
A fare da spalla ad Elio c’è (Ales)Sandro Riva che, a differenza del partner, è il classico poliziotto da fiction italiana: sempre gentile, empatico e simpatico, garbato e rispettoso delle regole. Un personaggio che, in prima battuta, risulta banale e si lascia tranquillamente sottovalutare salvo poi, puntata dopo puntata, aprirsi al pubblico riuscendo, a tratti, persino ad eclissare la vicenda di Elio.
Tanto Elio quanto Sandro non sono personaggi facili e i loro interpreti, rispettivamente Alessandro Preziosi e Davide Iacopini, sono bravi a tenerne le redini impedendo loro di cadere nel banale e nel prevedibile. La sensazione, guardando alcune scene in particolare, è di non vedere due attori al lavoro (e questo suppongo possa più o meno essere detto per qualsiasi serie tv con attori di un certo calibro), ma di spiare la nascita di un rapporto tra due uomini feriti, a pezzi e consapevoli di aver bisogno l’uno dell’altro per arrivare a capo dei problemi che ogni puntata mette loro davanti.
Se il lavoro sui due protagonisti è davvero encomiabile, quello sugli altri personaggi e sulla sceneggiatura è decisamente più grezzo e non sempre convincente.
La serie vuole porre l’accento sul problema delle persone scomparse (solo nel 2020 sono state presentate più di 13mila denunce per scomparsa in Italia) e, tra scomparse volontarie ed involontarie, gli episodi forniscono punti di vista diversi sulla questione affrontando tematiche delicate che possono risultare indigeste ad un pubblico abituato alla spensieratezza di produzioni come Don Matteo.
L’abbandono di un genitore, la fuga per amore, la vendetta, il desiderio di cambiare vita,…; ognuno di noi ha, nascosto nell’angolo più buio del proprio inconscio, almeno un motivo per desiderare di scomparire o veder scomparire qualcuno e la serie fa proprio leva su questo senza, tuttavia, riuscire a fare quello scatto in più che la affranchi dallo stereotipo.
Nella maggior parte dei casi Elio e Sandro riescono ad arrivare alla soluzione del caso in maniera del tutto aleatoria e, anche riguardando gli episodi, è davvero impossibile capire come il fatto X abbia portato alla conclusione Y e alla fine delle indagini. Personalmente ho trovato questa forzatura fastidiosa tanto quanto alcune ingenuità che, oltre a creare dei buchi di trama più o meno considerevoli, sfiorano tematiche particolari, come l’abbandono di una madre o il razzismo, senza tuttavia offrire punti di vista nuovi o con un approfondimento mai visto in altre produzioni.

Il mio voto per questa serie è di incoraggiamento: 8.
Genova offre delle location nuove e, a meno che non si conoscano a menadito le due città, è praticamente impossibile stabilire quali scene siano state girate nel capoluogo ligure e quali, invece, nella capitale. La colonna sonora composta da Pivio è divertente e riesce ad accordarsi bene tanto con i personaggi quanto con la sceneggiatura accentuando, al bisogno, le sfumature ironiche o tragiche di una determinata scena senza, tuttavia, offuscarla.
I personaggi di Elio e Sandro sono ben caratterizzati, convincono e, in fondo, non è nemmeno così difficile affezionarcisi.
I personaggi secondari, tra cui meritano una menzione il capo della Polizia Attilio del Prà, la nipote di Elio, Tina, e Valeria, la vicina di casa; sono solamente abbozzati e, se alcuni di loro risultano essenziali per lo sviluppo della trama e dei due protagonisti, altri, invece, sembrano un pretesto che occhieggia a quella fetta di pubblico femminile che, innamoratasi di Preziosi quando vestiva i panni del conte Fabrizio (Federico Giovanni Clemente) Ristori di Rivombrosa, continua a sognare l’attore impegnato in una storia d’amore tormentata e tutt’altro che lineare.
Masantonio sezione scomparsi non è una serie tv per tutti: il protagonista non è simpatico, le tematiche possono risultare indigeste,…; ma credo che sia proprio la “non convenzionalità” di Masantonio e del suo partner a rendere questa serie godibile.

*Jo


Luca ~ Streaming and Pajamas

.: TRAMA :.
Ambientato in una località costiera della riviera italiana, Luca, di Disney e Pixar, è la storia di formazione di un ragazzino che vive un’estate indimenticabile tra gelati, pasta e lunghissimi giri in Vespa. Luca condivide le sue avventure col suo nuovo amico Alberto, ma il divertimento è minacciato da un segreto ben custodito: i due sono due mostri marini provenienti da un mondo sottomarino.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Quando si sente parlare di produzioni americane ambientate in Italia, il rischio di trovarsi davanti all’ennesima carrellata di stereotipi è alto (nessuno ha ancora perdonato la Disney per il piatto di spaghetti con le polpette come piatto tipico della nostra tradizione culinaria), grazie al cielo ciò non succede e il risultato è una cartolina italiana che emoziona e commuove per le sfumature che riesce ad intrappolare in questa favola estiva al sapore di mare e di pesto alla genovese (lodevole che, per una volta, l’Italia non venga ritratta unicamente come il paese del calcio, ma si presentino sport altrettanto importanti come il ciclismo e il nuoto). Rispetto a Soul (2020), Luca sembra fare qualche passo indietro e rientrare in quella che si può considerare la comfort zone dei film Disney Pixar, ma bastano pochi minuti per ricredersi.

Luca centra il cuore dell’Italia stessa: di un paese legato a doppio filo con i tre mari che lo abbracciano e che, da questo mare, si lascia ispirare plasmando il carattere di un popolo che sa essere mite e burrascoso, agitato o calmo, accogliente ma anche, purtroppo, a volte ostile.
Dal Golfo di Trieste allo stretto di Messina, dalle meravigliose Cinque Terre alla Riviera Romagnola, il folklore italiano è costellato di storie e leggende legate al mare e alle sue creature: di cui Cola Pesce (figura mitologica dell’immaginario collettivo meridionale) e gli “epici” Scilla e Cariddi sono solo gli esempi più celebri. Questo è il contesto culturale da cui Luca attinge e il risultato è una storia che procede a gonfie vele senza dover ricorrere a pretesti per mandare avanti la narrazione.
La trama è un carosello di istantanee che trasudano verismo, poesia e fantasia: le avventure in riva al mare, la vita movimentata e allo stesso tempo sempre uguale di un piccolo borgo, i giochi, le gare e le piccole grandi conquiste che caratterizzano il periodo delle vacanze estive.
L’utilizzo del colore, un autentico “attore non protagonista”, riesce a dare spessore tanto al mondo della superficie (caratterizzato soprattutto da colori caldi) quanto a quello marino (dove, ovviamente, prevalgono le sfumature del blu e del verde): su questo palcoscenico si muovono personaggi che, nella loro semplicità, commuovono e stupiscono per la loro caratterizzazione essenziale, ma non per questo scarna.
Ciò che davvero conquista di Luca (il protagonista) e dei suoi compagni di avventura è la loro autenticità: ispirati dai compagni d’infanzia del regista, Enrico Casarosa, i personaggi riescono abilmente a scansare lo stereotipo e, grazie ad un umorismo genuino, non scadono mai nel macchiettisco.

Tra richiami cromatici (in più di una sequenza si può notare il tricolore italiano ricomposto con oggetti diversi) ed elementi scenografici, il film presenta diverse citazioni a capolavori del cinema: le prime sequenze, in cui Luca “scopre” il mondo degli umani e riceve dai genitori il divieto categorico di entare in contatto con loro, ricordano in parte La Sirenetta in parte Alla ricerca di Nemo, per non parlare dell’autocitazione fatta dal regista che dà al personaggio di Massimo Marcovaldo fattezze simili a quelle di uno dei protagonisti del corto La Luna (2011); mentre in altre scene si vedono le locandine dei film Vacanze Romane e La strada. La colonna sonora si avvale di composizioni originali e brani cult della tradizione musicale italiana: Il gatto e la volpe di Bennato, Un bacio a mezzanotte del Quartetto Cetra, Fatti mandare dalla mamma a prendere il latte di Morandi sono solo alcune delle celebri canzoni che si possono ascoltare; mentre la colonna sonora originale crea un accompagnamento suggestivo ma non memorabile che, tuttavia, ben si sposa con la sceneggiatura riempiendo i vuoti di dialogo con accordi delicati come una brezza di mare.
Non mancano, da ultime ma non meno importanti, i riferimenti (più o meno voluti) alla letteratura: le atmosfere ricordano il romanzo di Astrid Lindgren Vacanze all’isola dei gabbiani, mentre il rapporto tra i tre protagonisti, Luca, Alberto e Giulia, ricorda vagamente quello tra Pinocchio, Lucignolo e un mix tra la Fata Turchina e il Grillo Parlante.

Come confermato dal regista il film ha diversi livelli di lettura e si presta a più di un’interpretazione. Tema centrale è la diversità che, in un lungometraggio di appena un’ora e quaranta, riesce ad essere declinata in sfumature diverse e tutte molto convincenti.
I “mostri marini” che vengono dal mare possono essere intesi come gli stranieri o gli immigrati che, ad alcuni, fanno “molto disgusto e orrore” come dice uno dei personaggi riferendosi ai mostri marini. Ciò che davvero dà forza a questo film è la capacità di parlare ad ognuno in maniera differente permettendo allo spettatore di proiettare la propria “diversità” sui protagonisti per esorcizzarla con loro vincendo la paura di non essere accettati. C’è anche chi ha visto, nella necessità dei due protagonisti di nascondere la loro vera natura, un richiamo alle tematiche LGBTQ+ ma, personalmente, questa interpretazione mi sembra molto forzata: Luca racconta storie di amicizia, lealtà, coraggio e riscatto; descrive, con delicatezza, la capacità dei bambini di creare legami profondi con chi, fino a pochi minuti prima, era uno sconosciuto e di riuscire, con queste nuove amicizie, ad inseguire i propri sogni.
Fanalino di coda di una produzione cinematografica concepita in tempo di pandemia, Luca sembra gettare un ponte verso il domani e riporta al centro quei valori che, per colpa delle restrizioni anti-covid, sono stati messi da parte in questi mesi.
L’amicizia: unica vera arma contro l’isolamento a cui i lockdown ci avevano condannati è il valore cardine di tutta la vicenda e non si traduce solo in un classico “volersi bene a prescindere da ogni cosa”, ma principalmente in un venirsi incontro strappandosi vicendevolmente dalla condizione di solitudine in cui si rischia di cadere quando ogni altra certezza vacilla. Luca, prima di conoscere Alberto e Giulia, è “ostaggio” della sua timidezza; Alberto, prima di incontrare Luca e Giulia, vive da solo su un’isola abbandonato dal padre; infine Giulia che, facendo amicizia con Luca e Alberto, trova due amici e si libera dalla sensazione di essere una straniera nella sua stessa città.
L’istruzione: Luca e Giulia sono due bambini curiosi e amanti dei libri e, cosa insolita per un film estivo, Luca sente crescere il desiderio di allargare i propri orizzonti e di andare a scuola; inizialmente questo cambio di programma non viene preso bene da Alberto, il “Lucignolo” della situazione, ma anche lui finisce per apprezzare la curiosità dell’amico e a comprendere il motivo per cui vuole studiare. L’abbandono scolastico, durante i mesi di pandemia, ha, purtroppo, registrato record negativi causando un’emergenza educativa. Luca cerca di sensibilizzare sull’importanza dell’istruzione presentando due personaggi in antitesi tra di loro: Giulia conosce il mondo e i suoi pericoli grazie ai libri e alla scuola, Alberto, al contrario, si crede un uomo di mondo ma, in realtà, non sa un gran che e finisce spesso vittima della sua ignoranza salvo poi “imparare la lezione” e capire l’importanza dell’istruzione,

Il film, a mio giudizio, merita un 10+/10.
A differenza di altri film per cui “una volta basta e avanza”, Luca è un film che si rivede molto volentieri e di cui è bello osservare le diverse sfumature proprio come si farebbe da un belvedere affacciato sul mare. Nonostante sia dichiaratamente ambientato in Liguria, per il doppiaggio non sono stati scelti attori con un accento particolare il che, se da una parte può sembrare una mancanza di attenzione alla varietà linguistica e dialettale del nostro paese, dall’altra riesce a dare “universalità” alla storia che, scevra dei riferimenti geografici sopracitati, potrebbe essere ugualmente ambientata in Campania, Abruzzo o Friuli Venezia Giulia senza perdere di credibilità.

*Jo


Tenebre e Ossa ~ Streaming and Pajamas

.: SINOSSI :.

In un mondo spaccato in due da un’imponente barriera di eterna oscurità, dove mostruose creature banchettano sulla carne umana, una giovane soldato scopre un potere che potrebbe finalmente unire il suo paese. Ma mentre si sforza per affinare il suo potere, forze pericolose complottano contro di lei. Criminali, ladri, assassini e santi sono in guerra ora e ci vorrà molto più che la magia per sopravvivere.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Netflix è riuscita in un compito a dir poco impossibile : produrre una serie tv basata su una saga che ho amato e farmela piacere.
Basato sia sull’omonimo romanzo di Leigh Bardugo, Tenebre e Ossa è una serie tv fantasy per giovani adulti ma, grazie alle atmosfere dark, alla poliedricità della trama, è adatta a tutte le età. Prima di scrivere questa recensione, infatti, ho convinto due spettatori particolari, che non hanno mai letto i romanzi, a guardare la serie e darmi i loro pareri. Chi? I mie genitori, entrambi sessantenni, che si sono detti soddisfatti e interessati alla trama, tanto che quando hanno scoperto che era stata girata una sola stagione ci sono rimasti un po’ male.

La trama della serie tv ricalca quasi del tutto gli avvenimenti del primo romanzo della saga ma, forse consapevoli che questo avrebbe aggiunto un po’ di pepe alla narrazione, i produttori hanno scelto di raccontare alcuni antefatti della duologia Sei di Corvi. Accanto ad Alina, Mal e l’Oscuro (che ci viene presentato subito con il nome proprio così da spoilerare ai lettori che non hanno ancora finito l’ultimo romanzo una scena abbastanza centrale), infatti, si muovono anche Kaz, Inej, Jesper, Nina e Matthias. In pratica, nonostante io fossi scettica riguardo questa scelta, i produttori hanno ricostruito il passato dei protagonisti di Sei di Corvi e li hanno inseriti all’interno del filo narrativo di Tenebre e Ossa senza sconvolgere la trama principale.
Vi dirò di più: li hanno inseriti talmente bene che, quando ho spiegato ai miei genitori che i Corvi non compaiono nella prima trilogia, sono rimasti del tutto basiti. Ora, non ci resta che scoprire come questi personaggi verranno gestiti nelle stagioni successive, sperando che i produttori siano altrettanto lungimiranti e ugualmente geniali.

La rappresentazione del mondo è molto buona, anche se alcuni particolari, più complessi da rendere espliciti con il solo ausilio di una videocamera, non sono stati esplicitati completamente. Ad esempio, non è stata chiarita a dovere la differenza tra la Magia e la Piccola Scienza dei Grisha, elemento chiave all’interno della trilogia.
In generale, però, Ravka è ben strutturata e lo spettatore riesce a cogliere i riferimenti geografici e ha più o meno chiare le rivalità politiche dei diversi stati che compongono il grishaverse. Una chicca in questa rappresentazione è Ketterdam, il luogo principale delle vicende dei Corvi: complici forse le descrizioni dettagliate della Bardugo, la Ketterdam che è stata portata sul piccolo schermo è esattamente quella che i lettori hanno immaginato leggendo Sei di Corvi.

Mi è piaciuto lo spazio che è stato dato ai personaggi, così come il loro sviluppo.
Jessie Mei Li, l’attrice che ha interpretato Alina, è assolutamente perfetta per la parte: sebbene inizialmente io fossi restia ad accettare scelta, in contrasto rispetto alle descrizioni che ne aveva fatto la Bardugo nei suoi romanzi, il background creato dai produttori regge e, a tratti, l’ho trovato addirittura più credibile rispetto a quello scritto dalla stessa Bardugo. In più, Jessie Mei Li è un’ottima attrice: espressiva sia nel volto sia nel corpo, riesce a dare vita al personaggio di Alina magnificamente.
Soprattutto, riesce a non sfigurare accanto a Ben Barnes che, fatta eccezione di Zoë Wanamaker, è sicuramente l’attore più conosciuto, e più bravo, tra quelli chiamati a dar vita al Grishaverse.
Nei panni dell’Oscuro, Ben Barnes è semplicemente perfetto. Riesce a mostrare la complessità di un personaggio che nei romanzi, scritti in prima persona dall’unica voce di Alina, è solo accennato superficialmente nel suo mistero. La scelta di girare alcune scene dedicate esclusivamente al suo passato è vincente e se sono diventata una sua fan è solo perché nella serie tv sono riusciti a dargli uno spessore che nei libri un po’ manca.
Archie Renaux, Mal nella serie, porta sullo schermo un Mal un po’ diverso da quello che mi sono sempre immaginata. Più giocherellone, forse più umano, anche Mal prende vita slegandosi dalla descrizione che ne fa Alina nei romanzi.
I tre Corvi (Kaz, Inej e Jesper) sono tre ottimi personaggi, i preferiti di entrambi i miei genitori: i tre sono praticamente insperabili e funzionano soprattutto per questo. La trasposizione in serie tv ha messo in luce il forte legame che unisce i primi tre membri della banda e gli attori sono stati molto bravi a mettere in scena questo rapporto. Sono sicura che tutti e tre gli attori siano riusciti a convincere il pubblico con la loro brillante interpretazione.

A mio giudizio, la serie merita un bel 8/10. Non è perfetta: come ho già detto, alcune cose riguardanti soprattutto il finale di stagione le ho dovute spiegare ai miei genitori che purtroppo non avevano i mezzi per capire completamente l’accaduto. In generale, però, la serie riesce ad essere sia fedele al romanzo sia innovativa nei cambiamenti che gli autori hanno fatto. Sicuramente, la scelta di inserire i Corvi così presto nella narrazione ha creato movimento e ha dato una marcia in più ad una trama che altrimenti avrebbe rischiato di essere troppo statica per una serie.
Le atmosfere inquietanti, i continui giochi di luce che richiamano inevitabilmente il contrasto tra luce ed ombra, così come la bravura degli interpreti rendono Tenebre e Ossa un’ottima serie da guardare da soli, con gli amici o con la famiglia.

*Volpe

Dante al cinema ~ Streaming and Pajamas

Il Dantedì si avvicina e, per tale occasione, abbiamo pensato di suggervi due film che, per tematiche ed ambientazioni, si rifanno all’immaginario dantesto e alla sua opera più famosa: la Divina Commedia.

INFERNO (2016)

.: Trama :.
Il professor Robert Langdon si sveglia in un ospedale di Firenze con una ferita d’arma da fuoco alle testa e nessun ricordo di quanto accaduto, se non allucinazioni orribili che parlano di un pericolo incombente e che sembrano provenire direttamente dall’Inferno così come narrato da Dante Alighieri.

.: Il nostro giudizio :.
Tratto dal romanzo di Dan Brown Inferno (2013), il film si riassume in una rocambolesca corsa da Firenze a Costantinopoli con una tappa intermedia a Venezia (lo stesso percorso di Ezio Auditore nella trilogia di Assassin’s Creed: coincidenze? Io non credo) per cercare di impedire lo scoppio di una pestilenza che decimerebbe l’umanità.
Con una pandemia in corso Inferno non è esattamente il film adatto per passare una serata in tranquillità, ma anche senza il Coronavirus in circolazione il lungometraggio di Ron Howard risulta essere una cozzaglia di elementi che niente hanno a che spartire né con la Divina Commedia né con Dante, la storia e la cultura italiana, né tantomeno con i principi base della demografia.
Come per i capitoli precedenti Il codice Da Vinci e Angeli e Demoni, Brown (produttore esecutivo del film) gioca a fare il professore di storia farcendo il romanzo e di informazioni infondate o che fanno sorridere per la loro ingenuità.
Per noi il film risica la sufficienza 5-6/10: Firenze, Venezia e Istanbul offrono una cornice mozzafiato e la colonna sonora di Hans Zimmer è meravigliosa; ma non bastano a salvare una pellicola che sembra uno spin off, o un lontano parente, de National Treasure ( Il mistero dei templari in italiano ndr).

AL DI LÀ DEI SOGNI

.: Trama :.
L’amore che unisce Chris e sua moglie, la pittrice Annie è infinito: nulla, neanche l’aldilà può separarli. Chris muore in un incidente e raggiunge un paradiso che la sua fantasia ha ambientato in uno dei meravigliosi dipinti di Annie. Non potendo immaginare di vivere senza sua moglie, per raggiungerla si avventura in un fantasmagorico e coloratissimo viaggio guidato da un angelo molto particolare.

.: Il nostro giudizio :.
What Dreams May Come ( Al di là dei sogni in italiano ndr) è un inno e mescola con grazia e crudeltà elementi tra di loro agli antipodi ricordando che non ci può essere vita senza morte, né dolore senza speranza o coraggio senza amore
Il film, del 1998, è tratto dall’omonimo romanzo dello scrittore statuintense Richard Matheson e fin dai primi minuti colpisce per il forte impatto visivo e per l’utilizzo dei colori che concorrono sapientemente, ma allo stesso tempo discretamente, alla narrazione divenendo a loro volta protagonisti.
Tutti i temi del film, infatti, sono uniti da questo filo rosso che corre, come una pennellata, con continui riferimenti all’arte: sia quella impressionista che ispira alcune location o i quadri dipinti da Annie ( la “moglie” di Robin Williams).
La trama del film e le ambientazioni rievocano con forza le suggestioni e le tematiche presenti nella Divina Commedia: come Dante, il protagonista compie un viaggio “a ritroso” nell’aldilà scendendo dal Paradiso all’Inferno dove l’ispirazione dantesca si fa più evidente.
Il film è tutt’altro che leggero e, se non approcciato con la giusta disposizione d’animo, può risultare impegnativo se non addirittura indigesto, per noi merita un 8.5/10.

*Jo

Raya e l’ultimo drago ~ Streaming and Pajamas

.: TRAMA :.
Raya e l’Ultimo Drago viaggia nel fantastico mondo di Kumandra, dove molto tempo fa umani e draghi vivevano insieme in armonia. Ma quando una forza malvagia ha minacciato la loro terra, i draghi si sono sacrificati per salvare l’umanità. Ora, 500 anni dopo, quella stessa forza malvagia è tornata e Raya, una guerriera solitaria, avrà il compito di trovare l’ultimo leggendario drago per riunire il suo popolo diviso. Durante il suo viaggio, imparerà che non basta un drago per salvare il mondo, ci vorrà anche fiducia e lavoro di squadra.

.: IL NOSTRO GIUDIZIO :.

Chi, come la sottoscritta, è cresciuta a pane e film d’animazione Disney (l’animazione tradizionale pre Pixar per intenderci) si è ormai rassegnato a protagonisti in CGI e ad ambientazioni tanto realistiche quanto prive di quei dettagli che hanno reso iconiche location come la foresta di Pocahontas o la Rupe dei Re de Il Re Leone; fatta questa doverosa premesse torniamo a Raya e l’ultimo drago: il 59° classico Disney.
Esattamente come Frozen il regno di ghiaccio, Raya e l’ultimo drago pecca di diverse ingenuità e si avvale di più di un pretesto di trama per mandare avanti una narrazione che, per quanto interessante, risulta alla lunga ripetitiva e anche un po’ noiosa: più simile ad una quest di D&D che non ad un intreccio vero e proprio.
Dal punto di vista grafico il film è impeccabile e soprattutto le ambientazioni, minuziose nei dettagli quanto nella resa generale, risultano realistiche e ricreano alla perfezione le suggestioni e le atmosfere del continente asiatico: per esempio alcuni frame ricordano, almeno adl’impatto visivo, il famoso Esercito di Terracotta di Xi’an.
Come per Moana (Oceania nella versione italiana) sono evidenti lo studio antropologico e il lavoro fatto per cercare di creare un continente che, seppur inventato, risulti culturalmente, cromaticamente e geograficamente coerente con la cornice orientale in cui è iscritto. Nel complesso l’accostamento degli elementi è non solo lodevole, ma anche convincente e dà a Kumandra un background culturale che, purtroppo, non viene sfruttato al 100% e sembra ridursi allo stereotipo Asia= draghi e arti marziali.
La stessa Kumandra è mal descritta e, nonostante la cartina che la protagonista porta sempre con sé, è impossibile stabilire se si tratti di un continente, di una regione o di un mondo sorto intorno ad un unico lago/mare a forma di drago. Un vero peccato considerato che, di per sé, il worldbuilding è non solo ben fatto, ma anche ben sortito ed armonico nonostante la varietà di culture che lo ha ispirato.
La trama, come già accennato, è piuttosto ripetitiva e sembra tentennare tra la voglia di tentare qualcosa di più maturo e complesso e la necessità di non lasciare indietro il giovane pubblico a cui il film è destinato.

Già da tempo la Disney ha abbandonato le principesse in attesa di “un uomo possente” (cit.) che risolva i loro problemi e Raya e l’ultimo drago non fa eccezione. Fin dai primi minuti del film facciamo la consocenza, oltre che delle principesse Raya e Namaari, di Virana (capo della nazione di Zanna) e del capo di Coda; a cui, nel corso della narrazione, si aggiungeranno Sisu, la piccola Noi e il generale Atitaya di Zanna. Ridurre questa platea di personaggi femmili ad un inno all’ormai abusta GirlPower è sbagliato e non rende giustizia né al film né alle culture a cui esso si ispira. Contrariamente a quanto si pensi, infatti, l’immaginario di molti paesi asiatici affonda le radici in un folklore ricco di personaggi femminili che spesso ricoprono cariche civili e/o militari (basti pensare alla divinità indù Durga, alla più famosa Hua Mulan o all’altrettanto celebre e contemporanea Aung San Suu Kyi recentemente tornata sotto i riflettori della politica internazionale dopo il golpe in Birmania).
In tempo di pandemia e crescente diffidenza, la Disney distribuisce un lungometraggio che cerca di lenire e stemperare il clima di sfiducia alimentato dal Covid-19 e dalle norme di distanziamento sociale adottate dai paesi per contenere il contagio.
Kumandra è, in vero, un allegoria del nostro tempo: un mondo stravolto dai cambiamenti climatici dove si lotta per accaparrarsi le risorse naturali come l’acqua e la terra, perennemente minacciato da calamità e mostri in agguato e pronti a colpire senza alcun preavviso.
La dicotomia tra fiducia e diffidenza è il leit motiv del film e riesce a disegnare una parabola interessante e coerente con il periodo storico che stiamo attraversando senza scadere nel banale o nel didascalico. Al contrario, la morale del film si può riassumere in: la fiducia nel prossimo è una condizione sine qua non se si vuole cambiare il mondo per il meglio.
La mancata caratterizzazione dei personaggi è un’altra nota dolente del film e tale mancanza è difficile da giustificare dal momento che l’intera vicenda ruota, sostanzialmente, intorno a cinque personaggi. La sensazione è quella di avere a che fare con delle sagome: personaggi per cui non si deve provare chissà quale simpatia e pensati in funzione del secondo, altrettanto valido, insegnamento del film: solo perché una persona non è d’accordo con te non significa che sia cattiva o meno volenterosa di migliorare il mondo.
Da ultima, ma non meno importante, vi è la questione ambientale che, già toccata in Frozen il segreto di Arendelle, è qui approfondita mostrando senza troppe censure gli effetti negativi di una malagestione delle risorse naturali.
Sisu, l’ultimo drago, è un drago acquatico e l’acqua è l’unico elemento in grado di respingere i Druun (esseri opposti ai draghi che trasformano in statua chiunque si trovi sul loro cammino). Con la scomparsa graduale dei draghi si assiste al decadimento di Kumandra che culmina con la scomparsa della preziosa acqua. Se in Frozen il segreto di Arendelle la produzione si era concentrata sull’ambivalenza degli elementi (forze della natura incontrollate o alleati in grado di portare vita), in Raya e l’ultimo drago la Disney calca la mano sul futuro che ci aspetta se continueremo a sfruttare irresponsabilmente il pianeta accaparrando risorse a favore di pochi e a scapito di molti.
In conclusione, Raya e l’ultimo drago si aggiudica 8+/10: pur non essendo particolarmente impegnativo, il film è ben fatto e le atmosfere orientali scaldano il cuore riempiendo gli occhi di colori e suggestioni stimolanti. La colonna sonora non è particolarmente memorabile, ma si avvale comunque di un tema principale molto bello che ben rende la leggiadria dei draghi e i loro movimenti.

*Jo